A presente pesquisa investiga a construção de sertão no cinema brasileiro contemporâneo. Partindo do pressuposto de que esse cinema constrói uma paisagem sertaneja em diálogo com o largo imaginário consolidado sobre o tema, pensamos fissuras e rupturas nas formas de dizer e ver os sertões, propondo uma história em três atos: corpo, tempo e espaço. No primeiro deles, discutimos uma dimensão temporal, buscando certo sertão arcaico e assentado no passado; no segundo, nos detemos no aspecto espacial, problematizando um mundo visto e dito sempre árido; e no último, destacamos o corporal, para pensar sujeitos sertanejos em desajuste com seu meio. Aí e assim, neste encontro de três, ancoramos nossa percepção de sertão: uma paisagem em movimento.

Este estudo se esforça examinar a construção do ethos midiático do Pe. Fábio de Melo, através de seus discursos. A questão central é compreender como é elaborada a identidade do padre, que é marcada por sua proeminência no cenário da mídia como influenciador de narrativas que se estendem além do domínio religioso. Para atingir esse objetivo, empregamos a Análise do Discurso - AD, referencial metodológico de inspiração francesa, particularmente fundamentado nos conceitos de Dominique Maingueneau sobre a noção de ethos. Para delinear a maneira pela qual o ethos do padre é produzido, utilizamos a abordagem qualitativa com foco na coleta de postagens cotidianas divulgadas em sua conta oficial do Instagram, no período de junho a novembro de 2024, analisando o contexto que estrutura a identidade sacerdotal. Por meio de uma exploração das dimensões multifacetadas do discurso, esta pesquisa buscou revelar as estratégias empregadas pelo padre, que, por meio de seu engajamento na esfera da mídia, constrói sua identidade pública e fortalece as conexões com seu público, destacando assim a convergência de fé, arte, comunicação e empresarial.

A dissertação tem como proposta analisar  comparativamente dois gêneros musicais latino-americanos: o Brega Funk, que surge nas favelas da Região Metropolitana de Recife, no Brasil; e o Dembow, que emerge dos barrios de Santo Domingo, na República Dominicana. Ambos são entendidos enquanto expressões da música urbana (Rivera-Rideau, 2015; Dávila Ellis, 2019) e/ou do pop periférico (Oliveira, 2015; Pereira de Sá, 2021), que se tratam de musicalidades que se constituem e se popularizam sem mediação das grandes gravadoras, mas em forte vinculação com as camadas populares, enfrentando
estigmatizações advindas de alguns ramos da sociedade, da crítica musical e das mídia hegemônica. Indicativos iniciais demonstram que ambos os gêneros partilham de similaridades em variados sentidos, sem, entretanto, interatuarem de forma direta ou de serem mutuamente consumidos por seus países. Nesse ínterim, a pesquisa é construída a partir da questão de como esses gêneros musicais se formaram historicamente e quais paralelos podem ser percebidos ao compará-los em perspectivas sociais, mercadológicas, estéticas e performáticas. Parte-se da hipótese de que as analogias entre os dois gêneros musicais resultam de intensos trânsitos afrodiaspóricos. A dissertação se ancora então nas teorias da diáspora (Hall, 2003; Guerreiro, 2010), da amefricanidade (González, 1988) e do Atlântico Negro (Gilroy, 2001) para investigar os dois gêneros, em capítulos que trabalham metodologicamente com revisões bibliográficas, composições historiográficas e análises de objetos. Ao comparar o Brega Funk e o Dembow, chegou-se a resultados de que eles partilham de paralelos rítmicos, vocais, temáticos, territoriais, raciais, gestuais, de gênero e nas danças, enquanto frutos de cosmopolitismos estéticos (Regev, 2013) e demonstrativos de um “mesmo mutável” (Gilroy, 2001) através das diásporas negras.

Num contexto em que as redes sociais são o principal palco de expressão de identidades religiosas, o surgimento de celebridades da fé no cenário majoritariamente cristão do Brasil é mais do que compreensível. Nessa trilha, este trabalho tem como objeto de estudo o evangelista e influenciador Deive Leonardo, que conta com 16,8 milhões de seguidores no Instagram e 10 milhões de inscritos no YouTube, ocupando o lugar de pregador individual com maior alcance nas redes atualmente. A presente pesquisa investiga os elementos decisivos na construção da figura midiática de Leonardo, a partir de duas linhas de observação que se entrecruzam, uma baseada na materialidade audiovisual publicada nas plataformas online (YouTube e Instagram) e outra voltada para o próprio Leonardo como figura midiática e como uma marca em si mesmo ao buscar inserção em outros mercados. Para tal, investigamos a trajetória de Leonardo e nos debruçamos sobre a persona midiática construída, esquadrinhando o ethos pela visão da linha francesa da Análise do Discurso, bem como a importância do carisma na circulação da mensagem, para entender como esse ethos o coloca numa posição de falante autorizado, observando as noções de lugar de fala e cenografia discursiva, especialmente no contexto religioso. A partir de então, analisamos o conteúdo no que diz respeito às interseções entre o sermão e a palestra motivacional como gêneros transmutados, com o intuito de apontar os componentes que Leonardo acolhe e desconsidera de cada gênero, possibilitando a hibridização que nos parece muito bem recebida pelo público, ao se distanciar dos moldes mais convencionais de pregação. Além disso, verificamos o que emerge da Teologia da Prosperidade e do Coaching como matrizes discursivas na mensagem de Leonardo, através de conjuntos de enunciados temáticos, reproduzidos e legitimados na esfera midiática, visando identificar quais deles são reafirmados, modificados ou descartados. Por fim, exploramos os efeitos da grande popularidade de Leonardo nos empreendimentos para além da produção de conteúdo, como a Associação Evangelística Deive Leonardo, o aplicativo de suporte espiritual “O dia seguinte”, a Deive Leonardo Store e a Editora Preach. 

Este projeto de pesquisa explora a crescente presença da nostalgia na ficção científica futurista em filmes contemporâneos. A metodologia envolve uma revisão crítica da literatura, a análise de três filmes específicos e a aplicação de teorias relevantes. Além disso, o projeto visa investigar se os filmes podem ser categorizados com base na manifestação da nostalgia, revelando padrões e diferenças. A pesquisa busca compreender como a nostalgia está moldando a narrativa da ficção científica futurista e como as emoções do passado estão influenciando a visão do futuro na cultura cinematográfica. O projeto contribui para uma compreensão mais profunda da relação entre nostalgia, cinema e imaginação futurista, que retrata os pensamentos do homem de hoje. 

O presente trabalho busca explorar, em abordagem qualis-quanti, através de dados e escuta ativa dos programas, a primeira cobertura eleitoral realizada entre os meses de agosto e outubro, através do YouTube pelas rádios CBN e BandNews FM no ano de 2022, de forma a compreender a fundo se e de que forma as emissoras se adaptaram e convergiram ao streaming: se houveram mudanças no fazer jornalístico, interação com o público e desempenho em números de audiência. Através dos diversos contextos sociopolíticos vividos no Brasil desde os primórdios das transmissões de rádio à massificação das redes sociais, a pesquisa também busca compreender se a convergência e a necessidade de adaptação às novas plataformas e redes sociais geraram demanda por novas práticas jornalísticas e/ou mudanças em formatos convencionais do radiojornalismo.

Este trabalho explora a relação simbiótica entre a estética cyberpunk e a representação do futuro sob a lógica do Realismo Capitalista. O objetivo é compreender os pilares estéticos que permitem ao cyberpunk dar forma visual ao mal-estar identificado por Mark Fisher — a sensação de que não há alternativa ao sistema capitalista. Para isso, realizaremos a análise dos pilares estéticos selecionados como fundamentais para a construção estética cinematográfica do gênero: o neogrotesco no corpo-ciborgue, o hiper-real do ciberespaço e o sublime tecnológico. Os objetos-chave de análise configuram filmes de grande influência estética no cyberpunk: Blade Runner(1982), Ghost in the shell(1995) e Matrix(1999).

RESUMO

Esta pesquisa investiga as representações sociais das comunidades quilombolas no Jornal Nacional, da Rede Globo, ao longo de 2023, com o objetivo de compreender como essas populações foram retratadas em um ano marcado por eventos históricos e políticos. Entre os acontecimentos analisados estão a inclusão inédita de dados sobre quilombolas no Censo Demográfico de 2022 e o assassinato de Mãe Bernadete, líder quilombola e religiosa. A pesquisa parte da questão: De que modo as populações quilombolas são representadas pelo Jornal Nacional no ano de 2023? O estudo fundamenta-se nos conceitos de Telejornalismo, Representações Sociais e Populações Quilombolas, com apoio de autores como Rezende (2000), Alsina (1989), Moraes (2015) Moscovici (2009), Hall (1997, 2003, 2016), Santos (2015), Guena (2014, 2020). Metodologicamente, adota-se uma abordagem qualitativa, utilizando-se alguns métodos: pesquisa bibliográfica (Andrade, 2010; Fonseca, 2002), análise de conteúdo (Bardin, 2006) das reportagens veiculadas ao longo de 2023 no telejornal. Ao longo do ano de 2023, o Jornal Nacional (JN) publicou 09 produções jornalísticas sobre a população quilombola, concentrando-se em duas temáticas principais: a inclusão dos quilombolas no Censo Demográfico de 2022 e o assassinato de Mãe Bernadete, líder quilombola e religiosa. Os resultados indicam quatro representações sociais centrais: “Identificação das comunidades quilombolas pelo Estado”, “Violência e Insegurança”, “Liderança quilombola” e “Investigação e Justiça”. No caso do Censo Quilombola, a narrativa jornalística enfatiza a visibilidade estatística dessas populações como um marco inédito, mas carece de um aprofundamento crítico sobre os desafios históricos, políticos e estruturais que perpetuam sua exclusão. No caso do assassinato de Mãe Bernadete, a cobertura destaca a brutalidade do crime e a vulnerabilidade da liderança quilombola - Mãe Bernadete, mas falha em contextualizar o evento nas dinâmicas mais amplas de racismo, violência, conflitos territoriais e resistência das comunidades. A análise revela que o modelo de telejornalismo adotado pelo Jornal Nacional prioriza síntese, superficialidade em detrimento de análises mais aprofundadas. As abordagens, embora contribuam para a visibilidade das populações quilombolas, frequentemente marginalizam essas comunidades. As populações quilombolas são representadas pelo Jornal Nacional em 2023 de forma ambivalente, com ênfase em temas pontuais como a inclusão no Censo do IBGE e o assassinato de Mãe Bernadete. Apesar de abordar questões como a visibilidade estatística e a vulnerabilidade à violência, a cobertura carece de profundidade. As produções jornalísticas retratam os quilombolas como vítimas de exclusão e violência, mas deixam de reconhecer a complexidade e a diversidade histórica desses grupos. Essa abordagem negligencia suas lutas por direitos, sua resistência histórica e seu papel transformador na sociedade, limitando-se a uma narrativa centrada em elementos pontuais e factuais. Conclui-se que o telejornalismo, como mediador da realidade social, pode abordar temas complexos de maneira mais crítica e inclusiva. Esta pesquisa tem sua relevância ao pensar o telejornal como um espaço para construção de narrativas que podem reforçar ou desafiar desigualdades históricas, contribuindo para a compreensão das dinâmicas de inclusão e exclusão de alguns temas na mídia.

Muito antes da chegada dos colonizadores no século XIX e da imposição dos paradigmas ocidentais em África, os povos Iorubá, localizados na região Oeste do continente, viviam suas experiências de vida e cosmopercepção baseados na senioridade e na matripotência, ou seja, numa hierarquia sociocultural que obedecia, respectivamente, ao reconhecimento da experiência a partir do tempo de vida e a gestação e integração à comunidade negra guiada pelo princípio feminino da criação. Em busca de fazer uma leitura descolonizante sobre o cinema brasileiro contemporâneo, este trabalho conta histórias outras sobre o cinema a partir de África, da diáspora negra no mundo e das mulheres negras, africanas e afrobrasileiras, cujas criatividades se transformaram em formas de viver e resistir à colonização/colonialidade. Para tanto, utilizamos fontes de pesquisa diversas (filmes, livros, reportagens, sites, dentre outros documentos), entrevistas-narrativas com mulheres negras “mais velhas” (acima dos 45 anos), cineastas e também trabalhadoras do cinema em Pernambuco. A escuta dessas mulheres de cinema visou transpassar suas memórias junto às movimentações cinematográficas de suas carreiras que as destacam como pioneiras e lideranças na área. Além disso, abordaremos história e teoria do cinema sob uma crítica do despercebido pela história oficial e que valoriza a pluriversalidade das narrativas, nas quais daremos ênfase à criação do “cinema das encruzilhadas”. Essas mulheres também serão tomadas aqui a partir do sentido amplo e transcendente dado à Iyá pelos povos Iorubá: a mãe procriadora e educadora da humanidade.

A Música Gospel Inclusiva (MGI) é a dissidência da produção musical, que pode ser produzida por artista e/ou banda LGBTQIAPN+ e que tenha na sua poética abordagem   interseccional    que    atravesse   questões    de    raça,   gênero, sexualidade no escopo da música cristã. As dinâmicas comunicacionais presentes na performance, nos produtos midiáticos e na pesquisa de campo que são modulados pela MGI foram exequíveis na pesquisa exploratória a partir de um cruzamento de teorias e métodos oriundos do campo dos Estudos  de  Performance  (artesania  da  escuta,  roteiro  performático  e semblante midiático) com aportes etnográficos (observação de campo e entrevista) que ao acionar arquivos e repertórios agenciados pela religiosidade LGBTQIAPN+ demonstram os atravessamentos múltiplos vividos por esta comunidade. Os resultados encontrados atestam em canções de insatisfação, de ruptura e de libertação como categorias de MGI; uma igreja pop demarcada pelo consumo; o pajubá, o camp, o kikiki, o humor gospel, a sexualidade e a música pop como categorias que agrupam a presença operada através dos cristãos LGBTQIAPN+ no digital; e as igrejas inclusivas como ambiências de performance ao vivo.

Esta tese investiga a interseção entre publicidade e entretenimento, com foco na análise dos efeitos de sentido e das apropriações realizadas pelo público diante de estratégias publicitárias que se expandem por meio da ficção. Fundamenta-se nos estudos da sociedade de consumo (Baudrillard, 2012), da semiótica greimasiana (Barros, 2011) e peirceana (Santaella, 2012), da sociossemiótica (Alsina, 1995; Landowski, 2014) e do espetáculo aplicado à publicidade e ao entretenimento (Debord, 2003). A pesquisa aborda as relações comunicativas entre publicidade, entretenimento e consumidor, com o objetivo central de compreender como a manipulação publicitária e os efeitos de sentido influenciam as apropriações realizadas pelos consumidores em um contexto de cultura participativa, considerando uma perspectiva comparativa entre Brasil e Espanha. A metodologia adota uma abordagem teórico-metodológica semiótica, utilizando ferramentas como programas narrativos (Barros, 2011), análise visual (Santaella, 2012) e regimes de interação (Landowski, 2014), para compreender os efeitos de sentido das estratégias publicitárias. Além disso, foram aplicados estudos de caso, surveys e grupos focais para investigar as respostas do público e suas apropriações de sentido. Os objetos de estudo incluem estratégias de product placement e branded content em produções ficcionais no Brasil e na Espanha. Como resultado, a pesquisa propõe um modelo comunicativo que considera a interação entre publicidade que entretém e o consumidor participativo, destacando como a persuasão publicitária, ancorada em narrativas emocionais e simbólicas, influencia e reforça identidades e comportamentos. A tese conclui que, no contexto do entretenimento, a publicidade promove uma falsa percepção de liberdade de interação, na qual o público participa de forma condicionada pelas estratégias persuasivas das marcas, resultando em uma relação marcada por ajustamentos e manipulações.

Este trabalho analisa como a construção da notícia no jornalismo esportivo é modificada sob influência do processo de plataformização da sociedade e, por conseguinte, do Jornalismo. Para isso, é estabelecida uma série de discussões teóricas acerca do jornalismo esportivo, do jornalismo digital  e de como a incidência da plataformização no jornalismo promove mudanças nas rotinas produtivas e se torna um agente fundamental não apenas para a interatividade de uma audiência potente, mas também para que o fluxo de acesso aos sites sejam potencializados. Nosso problema de pesquisa parte da seguinte indagação: de que forma a plataformização afeta os processos de construção da notícia no jornalismo esportivo? Neste sentido, busca-se como objetivo geral compreender e  problematizar a utilização e a influência das plataformas digitais nos processos de construção da notícia no jornalismo esportivo. Como objetivos específicos, este estudo visa a avaliar e descrever as alterações na rotina produtiva e como funciona o jornalismo esportivo sob a influência do processo de plataformização do jornalismo; compreender a relação e a influência das métricas de audiência para a estruturação, o desenvolvimento da notícia e o seus fluxos de acesso no jornalismo esportivo; analisar de que forma os valores que surgem da plataformização no jornalismo se relacionam e modificam valores da profissão na perspectiva dos jornalistas esportivos. Para responder aos objetivos propostos, além da revisão bibliográfica, foi adotada a combinação de três métodos complementares: a entrevista de tipo qualitativa semiestruturada; a coleta de dados; e a análise de conteúdo. O corpus da pesquisa é composto por 14 entrevistas semiestruturadas com profissionais do UOL Esporte e da Itatiaia Esporte, seções esportivas utilizadas como objetos de pesquisa, com recorte em novembro de 2024, a fim de observar, entre outros pontos, a relevância de plataformas digitais para os fluxos de acesso aos portais. Os resultados apontam para a existência de um “jornalismo esportivo plataformizado”, campo que tem a rotina produtiva envalores da profissão influenciados pelas plataformas digitais. Entre outros dados, 100% dos repórteres entrevistados (dez de dez) utilizam plataformas para apuração e distribuição das notícias, enquanto 92,86% dos jornalistas entrevistados (13 de 14) admitem que ferramentas de medição de audiência, como Google Analytics, Chartbeat ou Marfeel, influenciam em decisões editoriais. Este trabalho se apresenta como uma contribuição teórica à Sociologia do Jornalismo, ao jornalismo digital, à Ciência da Comunicação e, em especial, aos estudos acerca do jornalismo esportivo no Brasil.

Um estudo interdisciplinar sobre as masculinidades performadas na cena heavy metal de Belém-PA via youtube e facebook (2015-2021). É sobre os roteiros de masculinidades e performados na cena local via suas produções audiovisuais presentes nas plataformas digitais. Visando exibi-los, acionei os videoclipes, as publicações, os comentários de suas páginas e canais oficiais no youtube e facebook, além de entrevistas (gravadas, em blogs e páginas especializadas no facebook), reportagens em revistas especializadas, matérias em fanzines, páginas de produtoras e coletivos no facebook, letras de músicas, capas de singles, demo-tapes e álbuns. Eu parto dos estudos de heavy metal (BROWN; SPRACKLEN; KAHNHARRIS; SCOTT, 2016), estudos da masculinidade (BOLA, 2020; CONNELL, 2015, 2005, 1987; KUPERS, 2005; VIGOYA, 2018), estudos de branquitude (BENTO, 2022; DYER, 1997; CARDOSO, 2014; SCHUCMAN, 2020) e estudos de cenas musicais (SÁ; JANOTTI JR, 2013; JANOTTI JR, 2004), para melhor definir as nuances das masculinidades performadas off-line e online. Os conceitos de gênero enquanto “performance” e “processo construtor de uma ordem” (BUTLER, 2003; CONNELL, 1987), masculinidade hegemônica (CONNELL, 2005), hipermasculinidade (KUPERS, 2005), masculinidade marginalizada (CONNELL, 2005), branquitude (CARDOSO, 2014; SCHUCMAN, 2020), heterossexualidade (MOORE, 2009; SEGDWICK, 2007), homosocialidade (SEGDWICK, 2016; ROGERS; DEFLEM, 2022) classe (MOORE, 2009; NILSSON, 2009; WEINSTEIN, 2009) e neoconservadorismo (BARREIRA, 2022; LACERDA, 2018), definem as masculinidades deste estudo centralmente. Utilizei, de modo interdisciplinar, as metodologias da história social do rock, história oral, história social da imprensa, jornalismo de rock, sociologia da música, estética, etnografia digital e estudos de som e música. Elas são as formas de acionar as fontes de pesquisa citadas, para saber as maneiras pelas quais funcionam as dinâmicas das relações de gênero na cena, como tais funcionamentos contribuem para a perpetuação de um regime masculino dominante e aparecimentos das resistências à ele. A hipótese é a constatação do controle amplo, na cena, de uma hipermasculinidade performada composta por traços masculinos socialmente regressivos, provocadores de desigualdades de gênero, posições políticas neoconservadoras, autoritárias e intolerantes, alinhada com a extrema-direita. As dúvidas são: como os seus marcadores sociais operam, definindo suas identidades, masculinidades e estabelecendo esse regime de masculinidade hegemônico? E, de quais maneiras, tais relações geram desigualdades de gênero, raciais e posições políticas neoconservadoras? Quem se opõem a tal configuração de masculinidade? Quais são os aspectos dessas resistências? E, por quais maneiras, elas resistem à hipermasculinidade neoconservadora?

A educomunicação é um campo que busca integrar a educação e a comunicação, capacitando comunidades e cidadãos para a utilização dos meios de comunicação, a fim de promover uma melhor compreensão sobre as
questões locais, conscientizar as comunidades sobre o poder da articulação comunitária na sociedade e sobre o papel da comunicação e do diálogo na construção de conhecimentos e conquista de melhores condições de vida. A partir da proposta da educomunicação e da decolonização, essa pesquisa apresenta uma análise de perfis e de conteúdos produzidos por usuários indígenas do Instagram, investigando a operacionalização das plataformas e
seus algoritmos. Considerando a importância da divulgação de conteúdos decoloniais nas redes sociais digitais, para a conscientização da sociedade, pretende-se levantar discussões e propostas que colaborem com as práticas educomunicativas, agregando à área a importância do conhecimento publicitário na exposição de ideias nas mídias sociais.

Este trabalho procura reconhecer as complexidades entre a dinâmica discursiva da
Assembleia de Deus Ministério Novas de Paz em seus discursos religiosos dentro de 10
anos de veiculação midiática (2013-2023). Através da análise de discurso de linha
francesa, foi possível compreender as transformações de ethos em relação direta ao
tempo e espaço que a igreja ocupou ao longo da década de recorte. Para isso, foram
assistidos 850 vídeos de 4 canais do YouTube vinculados ao conglomerado de mídia da
família pastoral que preside a denominação evangélica. Dessa forma, foi possível
perceber como os apelos políticos midiatizados são mergulhados em referências
religiosas construindo uma cosmovisão sugestiva da leitura da realidade com potencial
mobilizador do povo cristão evangélico, sobretudo pentecostal. O imaginário de uma
constante batalha, os testemunhos inspiradores, o carisma da família do pastor
presidente, a midiatização de suas imagens são pontos que favoreceram a candidatura da
filha do pastor: Clarissa Tércio e seu esposo Júnior Moura - precursores de um
fenômeno político recente em Pernambuco: o bolsonarismo evangélico. Ao longo do
tempo, os conflitos de cunho político do casal foram ganhando contornos de embate
entre forças espirituais, o que personificou heroicamente a família Tércio na robustez de
seu poder e influência social como embaixadores do cristianismo nos espaços de poder.

Favorecem esse cenário: a polarização política, o estranhamento da elite cultural
brasileira com o segmento evangélico e a dificuldade de diálogo da esquerda política
com o grupo. Dessa maneira, a pesquisa contribui para a comunidade acadêmica no
conhecimento da multifacetada presença evangélica e a necessidade de diálogo para o
fim dos conflitos sociais envolvendo a fé e os partidos políticos.

As indagações acerca do imagético no meio publicitário são várias, embalados pelos signos e significâncias a comunicação publicitária consegue emitir uma mensagem com apenas uma imagem, um olhar, um som, uma percepção. Sendo assim, podemos colocar a mensagem passada pela publicidade como um dos maiores vetores comunicacionais da sociedade. Tendo em vista esse posicionamento, este estudo procura entender o que essa comunicação está falando sobre as mulheres negras para a sociedade brasileira. Nos últimos anos, as demandas antirracistas estão crescendo pelo público, a população brasileira agora munida de opiniões ouvidas via redes sociais conseguem se posicionar para exigir suas solicitações e pontuar práticas racistas. Dessa forma, o presente trabalho pretende pontuar o posicionamento de marcas em relação à presença de mulheres negras em sua comunicação publicitária. A pesquisa tem como intenção mapear o papel representado pelas mulheres negras em anúncios no Brasil, sobretudo no que diz respeito a mensagem que está sendo passada e propagada. Mediante uma pesquisa bibliográfica (Gil, 2017), uma breve análise de conteúdo (Bardin, 2011) e uma análise temática (Nowell et al. 2017), ambicionamos investigar e identificar as representações da negritude feminina em anúncios publicitários. Na pesquisa bibliográfica temos o apoio de Sueli Carneiro (2011, 2020), Djamila Ribeiro (2017, 2019), Miranda e Martins (2011), Moreno Fernandes (2021), bell hooks (2019), entre outros. Na análise de conteúdo e análise temática temos como corpus de pesquisa a coluna Campanhas da Semana do portal publicitário Meio e Mensagem, investigando a temporalidade de 2020 até 2022, compreendendo 1041 publicidades. Essas publicidades trazem um panorama da publicidade no Brasil e falam sobre como um dos maiores veículos de c omunicação está posicionando as mulheres negras em sua comunicação: há um debate em andamento, mas ainda há muito a ser feito.  

A dissertação investiga a relação entre a prática da tatuagem e a imagem dos pastores evangélicos, considerando o crescente uso de tatuagens na sociedade contemporânea e sua aceitação em diversos contextos. No trabalho abordamos a história da tatuagem, seus estigmas sociais e sua evolução na modernidade, explorando as perspectivas históricas e contemporâneas do cristianismo e examinando as motivações e negociações entre os cristãos, assim como as visões conservadoras e progressistas. A análise foca especificamente nos pastores tatuados, destacando sua representação na mídia, o significado das tatuagens no corpo religioso e a recepção da comunidade evangélica. A pesquisa busca entender como a tatuagem, tradicionalmente associada ao profano, é incorporada no ambiente sagrado da igreja e como isso afeta a percepção e aceitação dos líderes religiosos tatuados a partir das dinâmicas de aceitação e as transformações nas comunidades evangélicas.

O imaginário construído através das imagens de
controle (COLLINS, 2019) desumanizam os corpos de pessoas negras e uma das graves consequências desse processo é o alto índice de mortalidade dessa população no Brasil, sobretudo dos homens negros. Diante disso, o presente trabalho busca demonstrar como o gênero musical rap pode ser acionado como uma chave analítica para refletir como os homens negros têm trabalhado na desconstrução de um imaginário racista capaz de criar ambientações onde é possível imaginar novas formas e experiências de vida que ganham força na oralitura (MARTINS, 2021) dos corpos negros. Com isso, a pesquisa aponta a música como um negro-lugar (RIBEIRO, 2020) que possibilita uma refabulação (HARTMAN, 2020) das narrativas de vida da comunidade negra no Brasil, através da ascensão de imagens de liberdade (GUILHEREME, 2022) que confrontam, desmantelam e rompem com estereótipos responsáveis por impor a violência sobre esses corpos. Com isso, o presente estudo se propõe a analisar as performances de masculinidades negras presentes nas manifestações artísticas de expoentes do gênero musical, entre eles, Djonga, Mano Brown e Baco Exu do Blues, a fim de demonstrar como o afeto e a incidência de uma política do amor (hooks, 2021) promovem uma reconfiguração política e cultural nas manifestações artísticas e comunicacionais. Para tanto, a proposta aqui apresentada busca articular uma análise interseccional (AKOTIRENE, 2020) capaz de permitir um deslocamento metodológico nos estudos de raça e gênero através da música.

Na história do Brasil, o Carnaval está impresso como um aguçador de tensões (SIMAS, 2019), produzindo um ambiente festivo de disputas que é palco para protestos desde sua origem. Assim, este estudo investiga o potencial conceitual do carnaval como agente mobilizador das políticas nas ruas e questiona o uso do conceito essencialmente como prática cidadã. A maioria das investigações que articulam carnaval e protesto são fundamentadas em conhecimentos arquivais, como vídeos, fotos, reportagens; de forma a privilegiar uma análise discursiva dos registros visuais. Dessa forma, promove-se uma guinada sonora-festiva de ordem performática nos estudos comunicacionais dos protestos brasileiros, partindo uma metodologia transversal que tem como eixo principal estudos do som (BIELETTO-BUENO, 2019; LABELLE, 2020) e performance (TAYLOR, 2013; MARTINS, 2020), a fim de apreender como o som e a escuta constroem pontes entre as pessoas e seus entornos, negociando história, memória, identidade cultural e senso de pertencimento. As performances de protestos investigadas neste trabalho têm como base narrativas audiovisuais mediadas pelas redes sociais e vivências próprias, de forma a tensionar a problemática da presença.

Nesta dissertação, apresentamos um panorama das discussões recentes a respeito do problema da demarcação entre ciência e pseudociência como objetivo geral. Nossa pergunta norteadora indaga como são construídos os discursos do misticismo quântico. Como objetivos específicos, investigamos como são traçadas as estratégias argumentativas de enunciadores do universo do misticismo quântico no YouTube. Selecionamos, como objetos de pesquisa, os vídeos O que a física  quântica tem a ver com o espiritismo?, do canal Fatos Desconhecidos, e Um pouco sobre Física Quântica Paulo Vieira, do Cortes do HUB. Desenvolvemos uma revisão bibliográfica de obras e, como lente teórica, buscamos suporte na Análise do Discurso (AD), baseada em Freire, Fiorin, Walton e, principalmente, Orlandi. Nossos
resultados apontaram que os discursos dos dois vídeos analisados foram construídos a partir de versões de conceitos da Física Quântica não legitimados pela comunidade científica. Os conteúdos apresentam estruturas argumentativas que, por meio de deslocamentos de sentidos, procuram comprovar crenças do campo da espiritualidade instrumentalizando a ciência. Destacamos essa operacionalização em três categorias: aproximação dos campos por meio da analogia, apelo à autoridade e experiência pessoal X experimentação científica.

Os ataques de tubarão fazem parte da vida dos banhistas e turistas que frequentam as praias da Região Metropolitana do Recife (Pernambuco, Brasil) há mais de 30 anos (1992-2024). O Estado contabiliza 77 vítimas de ataques de tubarões, 22 fatais. O acontecimento ataques de tubarão exerce um enorme fascínio midiático, com uma cobertura extensa nos veículos de comunicação e nas redes sociais. Esta dissertação tem como objetivo investigar a cobertura jornalística sobre os incidentes com tubarões nas últimas três décadas, analisando como as notícias factuais são atravessadas por informações cientificas através das vozes especializadas. Metodologicamente, o trabalho na análise de notícias. Nosso corpus são as notícias factuais sobre os incidentes veiculadas pelos jornais Folha de S. Paulo e o Jornal do Commercio, de 1992 até os dias atuais. Com base na análise de conteúdo, organizamos e categorizamos as citações das vozes especializadas, reunindo informações fragmentadas e dispersas ao longo dos textos, identificando temas e fontes. Em um segundo momento, buscamos analisar os enquadramentos que atravessam as falas dos especialistas, discutindo como as informações sobre o fenômeno podem ter influenciado a construção de um novo imaginário da praia, ao tempo que negligenciou o debate sobre o meio ambiente e a comunicação de riscos. A pesquisa constatou que a cobertura dos jornais trata cada incidente com tubarões como um fato novo, com uma narrativa fragmentada e sem aprofundamento. Identificamos que há a predominância de uma única fonte especializada em mais de 60% das notícias e a presença de três temas centrais nas vozes especializadas.

Esta tese propõe um método de roteirização para reportagens especiais transmídia com base nos estudos da
linguagem e na pesquisa aplicada realizada com estudantes de jornalismo de universidades públicas, especialmente diante da ausência de referências mais específicas capazes de subsidiar a prática jornalística transmídia. A partir de investigações e análises que destacaram a importância das relações temáticas para configuração textual desse tipo de reportagem (Macedo, 2019), desenvolveu-se um instrumental metodológico denominado mapa midiático- temático, que permite representar visualmente as estratégias de expansão transmídia de textos associados a um texto de referência, nos moldes da transmidiação (Fechine, 2018). As etapas sucessivas que constituem o método são: a) caracterização do jornalismo transmídia; b) discussão do projeto transmídia; c) roteirização do texto de referência; d) roteirização dos textos de expansão; e) revisão do mapa midiático-temático; f) produção jornalística transmídia; e g) circulação jornalística transmídia. A ferramenta e o método propostos foram colocados à prova em disciplinas dos cursos de Jornalismo da Universidade Federal de Pernambuco (UFPE) e da Universidade Federal de Alagoas (UFAL), demonstrando que a roteirização para reportagens especiais transmídia, baseada no desdobramento dos aspectos temáticos, sustenta-se tanto teórica quanto operacionalmente. Os roteiros produzidos pelos estudantes com o emprego do método mostraram que este estimula efetivamente o desenvolvimento de textos de expansão, fazendo avançar o percurso temático segundo determinadas organizações argumentativas mais gerais. A pesquisa realizada constatou a operatividade do mapa temático- midiático para o ensino de jornalismo e, a partir da avaliação feita pelos jornalistas em formação, sinalizou ainda seu potencial para emprego por profissionais, o que poderá ser realizado em experiências futuras.

Esta tese se dedica a pensar sobre as tecnologias contemporâneas para adiar o fim e o modo como encontram-se entrelaçadas às tecnologias de imagem, informação e comunicação. Partindo do pressuposto de que o regime de verdade e visibilidade possibilita a conformação de modos de encarar a finitude e de articular formas para sua superação, o trabalho analisa também o modo como tais tecnologias estão atravessadas por uma temporalidade própria do regime de que fazem parte. A partir da perspectiva genealógica procuramos identificar rupturas e continuidades no modelo ocidental-cristão-capitalista de pensar sobre as formas de superação da finitude, suspendendo sentidos e valores cristalizados em meio à operação das práticas e aos governos de condutas de cada regime. Para tanto, foi por meio da arqueologia e da montagem que se desenharam mosaicos para pensar com as imagens dessas tecnologias, investigando possíveis deslocamentos nas acepções de morte, transcendência e permanência. Entremeadas pela racionalidade neoliberal e por um senso de futuridade próprio, as tentativas de adiar o fim não são mais as mesmas, embora carreguem continuidades aparentes – que orientaram a estruturação dos três capítulos que sustentam esta tese. (1) Se o fim da carne se concentra na ideia do corpo debilitado e dependente que não pode mais consumir ou ser consumido de maneira autônoma, as tecnologias que se valem das lógicas da antecipação e das novas formas de fazer ver o tempo passar nos corpos passam a determinar quando e quais vidas podem ser encerradas. Afastando-se das tentativas de aperfeiçoamento da vida que produzem e fortalecem a nação, o contemporâneo procura prolongar a duração da carne até o limite que se encerra no corpo dependente ou nas falhas  cognitivas. Ainda assim, a carne insiste em morrer. (2) Diante da certeza de seu fim, as possibilidades de transcendências do contemporâneo desenham tecnologias permeadas pelas imagens generativas e emulações produzidas pela inteligência artificial, instalando novos modos de pensar sobre a permanência das existências, agora a partir da sua total conversão em dados. Formas de continuidade que se diferem daquelas modernas ancoradas na história das nações, na presença nas imagens da fotografia analógica e na articulação simbólica que promovem entre visível e invisível. A partir de nossa própria projeção na tela e nas imagens generativas da atualidade vemos ser costurada uma imortalidade centrada nas tecnologias de informação do presente, que preconizam valores de hipervisibilidade, nitidez e controle total. (3) Já nas tentativas de adiar o fim do mundo em que habitamos, a recorrência do imaginário apocalíptico e distópico alertam para o iminente colapso global. Embora se assemelhem às expetativas do tempo escatológico, a marcação dos relógios que preveem o fim do planeta é determinada por novas forças que não mais dependem das instâncias divinas. Por outro lado, as soluções propostas para adiar o fim do planeta, centradas na conexão, monitoramento, captura de dados e uso inteligente dos recursos naturais, enquanto se apresentam como completamente novas e revolucionárias, não parecem romper com a lógica de exploração, consumo e deterioração do planeta que nos trouxe até o presente. 

Os aparatos imagéticos que compõem o espaço público das cidades são entendidos como linguagem e produtores de sentidos. Partindo desse entendimento, esta pesquisa estuda como as mulheres são representadas a partir de elementos visuais da comunicação urbana e como essas mensagens são percebidas pelo público feminino. Nesse sentido, busca-se analisar as imagens de mulheres na publicidade exterior e nas intervenções urbanas (grafites, pichações e lambe-lambes) nas cidades de Natal, Rio Grande do Norte (Brasil), Recife, Pernambuco (Brasil) e Barcelona (Espanha). Metodologicamente, emprega-se a observação etnográfica em 14 vias dessas cidades entre os períodos de 2020 e 2023, com coleta de 670 imagens publicitárias e 388 imagens de intervenções urbanas. Para verificar a recepção, foram realizadas entrevistas com 30 mulheres nas cidades. Para entender a percepção da produção, foram entrevistadas quatro artistas de intervenções urbanas. Como aporte teórico e metodológico, utiliza-se a proposta metodológica multimodal de Lorite (2021), a compreensão de identidade cultural de Hall (2006) e a interseccionalidade de Collins (2021), buscando identificar ausências e presenças de identidades nas representações. Reflete-se não apenas sobre a visibilidade da diversidade, mas também sobre as propostas apresentadas nos discursos sobre as mulheres. Utilizam-se também os contributos dos estudos urbanos, que consideram a cidade como linguagem e comunicação e a formação de paisagens simbólicas, como Silva (2011) e García Canclini (1990), além de discussões sobre grafismos como símbolos urbanos, como Baldissera (2019) e Tvardovskas (2013). Como resultado, observa-se que as imagens publicitárias têm vieses machistas, racistas, classistas, etaristas e capacitistas, onde as mulheres são sub-representadas. As personagens são, majoritariamente, jovens, brancas, magras e ricas. Há uma convocação ao emagrecimento e ao corpo feminino liso, além da reiteração de papéis como mulher profissional, familiar, bela, erótica e consumidora. Mulheres negras são frequentemente inferiorizadas em comparação com as brancas, e há uma objetificação generalizada do corpo feminino, com o padrão de casal heterossexual predominante e apelo constante à sensualidade, especialmente em anúncios de moda e perfume. Nas intervenções urbanas, em compensação, percebe-se maior diversidade de corpos femininos, incluindo personalidades históricas dos movimentos sociais e políticos, além de maior presença de mulheres negras, indígenas, idosas, com deficiência e LGBTs. Em conclusão, observa-se que essas expressões visibilizam corpos com imperfeições, questionam o governo e a mídia, apresentam pautas como feminicídio e legalização do aborto, e reivindicam os direitos ao corpo e à liberdade sexual feminina. Quanto à produção, destaca-se um cenário crescente de mulheres na arte urbana, especialmente no grafite, embora enfrentem percalços devido ao machismo. As receptoras reconhecem uma tentativa de representação da diversidade feminina pela publicidade, todavia preferem as representações das intervenções urbanas por refletirem mais suas pautas cotidianas.

Esta tese tem como objetivo investigar de que modos o gesto atravessa distintas esferas da sociedade como um operador político, dotado de uma capacidade de propor e deixar ver outras formas-de-vida e de se relacionar no mundo e com o mundo. A pesquisa propõe que este gesto pode emergir nos mais diversos fenômenos, como performances artísticas, protestos ou mesmo breves eventos do cotidiano, e é capaz de fazer emergir um outro corpo naquele que gesticula. A gestualidade em questão é pensada em uma articulação entre os campos da filosofia da imagem e dos estudos de performance, aparato conceitual e metodológico que permite abordar quais roteiros e sobrevivências os objetos analisados, situados nos campos da arte contemporânea e das manifestações políticas, reativam. A investigação é elaborada ao longo de quatro capítulos, o primeiro dos quais percorre os referenciais teóricos da filosofia da imagem e da performance para delinear a gestualidade que embasa a pesquisa, menos um novo conceito do que um arcabouço tanto metodológico quanto conceitual. Os dois capítulos seguintes analisam objetos da performance art e do cinema contemporâneo com o objetivo de compreender como nestes trabalhos o gesto é uma chave na elaboração de críticas e alternativas a sociedades cada vez mais atravessadas pela lógica do lucro e da concorrência, nas quais a racionalidade neoliberal e o tempo 24/7 são produtores e reguladores de subjetividades. No quarto e último capítulo me volto diretamente a manifestações políticas, mais especificamente as que vieram em resposta ao assassinato de George Floyd em maio 2020. O gesto aí é o ponto central em reivindicações e proposições por vidas mais dignas, assim como o elemento que reativa toda uma linhagem de luta política contra a violência racial.

Esta tese tem o objetivo de compreender a existência de um fenômeno social, a necroperformatividade, que se estabelece por meio de uma política de morte direcionada a corpos e performances LGBTI+ no Brasil contemporâneo. Esta derivação da necropolítica (Mbembe, 2018) está inserida numa performatividade (Butler, 2018b) de caráter anti-LGBTI+ estrutural e socialmente construída no país, que se consolida politicamente, economicamente e culturalmente de modo a promover a negação da existência e a promoção da morte simbólica e/ou física de corpos, performances (Taylor, 2016) e subjetividades LGBTI+. A investigação mobilizou uma postura epistemológica dialógica entre saberes históricos estabelecidos do campo social e sexual (Foucault, 1983; 1988; 2014; 2019) e saberes de perspectiva sul-global (Hooks, 1995; Quijano, 2005) para analisar casos de censura (Orlandi, 2007) a performances artísticas promovidas e/ou performadas
por pessoas LGBTI+ no Brasil entre 2017 e 2022, período em que houve um elevado crescimento de perseguições à cultura no país, especialmente quando enunciada por essa comunidade historicamente oprimida e precarizada. A análise desses casos teve como resultado o entendimento de que se trata de um fenômeno complexo e estrutural da população brasileira, fortalecido especialmente por ideologias concentradas em discursos religiosos, partidários, anticientíficos e promotores de violência simbólica e física. Em última instância, o conceito de necroperformatividade tem como foco a promoção da morte da representação de corpos LGBTI+, bem como se desdobra e se aplica a outros corpos e expressões dissidentes de outras normatividades sociais que exercem perpetuação de relações de poderes no Brasil e no mundo.

A presente tese apresenta o que aprendi junto com algumas produções artístico-culturais brasileiras contemporâneas, as quais mobilizam a fotografia (imagens e ferramenta tecnológica), arquivos diversos e a carne negra para expor as colonialidades ainda vigentes e/ou propor outros imaginários, modos de existir, pensar e conhecer que exorbitam o imaginário e as ordenações ontoepistemológicas do mundo antinegro. De um lado, enfatizo as implicações entre Estética, fotografia e arquivos na (re)produção material-discursiva de corpos negros dissimulados, necessários a coerência e coesão desse mundo. De outro, considero as produções artístico-culturais analisadas como ante-Estética, pois que a suas (po)éticas implicadas entre fotografia e arquivo expõem a exorbitância da carne negra às suas dissimulações. Ou seja, fotografia e arquivo podem ser armas de captura ou meios para fugas. 

A prática do testemunho no cristianismo é tão antiga quanto a própria
religião, sendo fundamental para a transmissão da fé. Nesta pesquisa,
ampliamos o escopo da análise do 'testemunho', deslocando-o de uma abordagem individualista para uma perspectiva que considera o fenômeno do ponto de vista religioso evangélico neopentecostal, considerando a sua variedade e a maneira como permite a articulação com aspectos emergentes e aparentemente seculares da contemporaneidade. Focamos na intersecção entre esse testemunho e os influenciadores digitais de finanças, explorando como os discursos dos finfluencers se alinham com a ética religiosa que vê o
acúmulo de capital como uma vocação. Dividimos nosso percurso teórico em capítulos que versam sobre 1. o Testemunho, 2. os Neopentecostais, 3. os Influenciadores e 4. o Discurso, com autores como Lackey, Sacramento, Mariano, Dullo, Weber, Karwahi, Recuero e Foucault. Tanto o testemunho neopentecostal com a Teologia da Prosperidade, quanto o discurso dos influencers visam atender a uma sociedade em busca de referências e histórias inspiradoras, prometendo plenitude e prosperidade nesta vida, desde que se siga o caminho proposto. Ao estudar o discurso dos influenciadores, percebemos que o teor testemunhal será reforçado, desenvolvido e estimulado. Ao final, evidenciamos afinidades entre os discursos dos finfluencers, o espírito do capitalismo dos primeiros grupos protestantes e o testemunho neopentecostal contemporâneo. E embora nossa análise se concentre no segmento financeiro, acreditamos que narrativas testemunhais permeiam a comunicação de diversos influenciadores da atualidade, que, por meio de histórias de superação, buscam atrair atenção e capital (BOURDIEU, 1997). O título ‘Da promessa à conversão: o poder do testemunho nos discursos dos finfluencers’ não surgiu do acaso, mas reflete os nossos achados de que, assim como a Teologia da Prosperidade, o testemunho do influenciador quando narrado carrega consigo uma promessa. Uma esperança de mudança e transformação, que culmina na conversão. Seja a conversão para o cristianismo ou a conversão enquanto o ato de tornar-se cliente, o discurso testemunhal é uma ferramenta poderosa para alcançar objetivos e conquistar seguidores.

Este estudo tem por propósito avaliar o uso do recurso hiper-realista na dimensão sonora das produções audiovisuais contemporâneas realizadas no estado da Paraíba. A partir da hipótese de um hiper-realismo sonoro disseminado enquanto prática estilística, avalia a irradiação dos processos estéticos através deste cenário de produção audiovisual periférico como
parâmetro para mensurar a difusão dos princípios de expansão e transgressão da realidade mimética e engendramento sensório através da banda sonora como um reflexo de uma tendência estilística em larga escala. Atravessando a temporalidade das práticas digitais, determinantes para traçar o marco da contemporaneidade, estabelece apreciação em torno das construções sônicas audiovisuais realizadas neste recorte através da operacionalidade de seus agentes e dos resultados obtidos a partir destes processos, tomando por base a pesquisa de campo e análises fílmicas abalizadas por avaliações do espectro sonoro.

A presente tese investigou os relatos autobiográficos sobre a depressão publicados no YouTube, analisando a circulação discursiva e os tensionamentos que esses relatos promovem em relação aos saberes consolidados sobre saúde mental, com ênfase nos discursos médico-científicos. Ancorada nos estudos de Michel Foucault (2009 [1971], 2017 [1984]) e em referenciais teóricos contemporâneos, a pesquisa posiciona esses relatos como práticas discursivas que extrapolam a esfera individual, participando da produção coletiva de sentidos sobre o sofrimento psíquico na contemporaneidade. O YouTube, enquanto espaço de enunciação, foi examinado como um ambiente em que sujeitos compartilham experiências pessoais, dialogam com saberes científicos e culturais, e ressignificam suas trajetórias de vida. A tese explorou a relação entre os relatos autobiográficos e a plataformização, destacando como os algoritmos moldam a visibilidade e a circulação desses conteúdos, promovendo interações específicas entre narrativas pessoais e dinâmicas de engajamento. A partir disso, o trabalho analisou como o sofrimento psíquico é transformado em um produto de consumo cultural, enquanto oferece novas possibilidades de subjetivação e construção identitária. O corpus da pesquisa foi composto de relatos em vídeo
sobre a depressão, selecionados com base em critérios de relevância e popularidade determinados pelo próprio funcionamento do YouTube. A análise discursiva revelou que esses relatos operam em várias camadas: como formas de visibilizam o sofrimento, como instrumentos de subjetivação e como narrativas pedagógicas que informam e educam o público sobre a depressão. Eles também se estruturam em narrativas de superação e resiliência, frequentemente alinhados a saberes médicos, mas também permeados por imperativos neoliberais, como a produtividade. A tese destacou o papel central da plataformização e como o YouTube funciona segundo a lógica de engajamento, que interfere diretamente na representação da depressão incentivando narrativas que conciliam o público e o privado. Entre os principais resultados, a tese apontou que os relatos analisados têm um papel ambivalente: por um lado, funcionam como práticas discursivas que ajudam a desmistificar a depressão, por outro, reforçam padrões culturais que podem superficializar e espetacularizar as experiências de sofrimento psíquico. Esse contexto ressalta as tensões éticas e políticas que atravessam o campo da saúde mental nas plataformas digitais. 

A Ficção Científica, como gênero literário e cinematográfico caro à contemporaneidade, produz imagens especulativas sobre futuros possíveis, e narrativas críticas acerca dos deslocamentos e efeitos das tecnociências no campo histórico e sociocultural, como os subgêneros Cyberpunk e Biopunk, que protagonizam o corpo humano no terreno movente das tecnologias da comunicação e da virtualidade. A partir desses desdobramentos, essas obras apresentam reflexões de ordem filosófica implicadas na temática da condição humana, como a finitude do corpo, ao compor universos de experimentações do contemporâneo (LE BRETON, 2017). Desse modo, a presente investigação  objetiva compreender, a partir do alinhamento de pontos pertinentes à pesquisa presentes em obras de Sci-fi como “Frankenstein ou o Prometeu moderno” (1818), “A invenção de Morel” (1974), “O mundo por um fio” (1973), “eXistenZ” (1999) e “13o andar” (1999), os possíveis contornos e distorções de novas “colorações de vida” (FLUSSER, 2007) e corporeidades pós-humanas (HAYLES, 1999; SIBILIA, 2015) diante das experiências com tecnologias da imagem, e de virtualidade em tecnopaisagens (GRAU, 2007; MACHADO, 2007). Em diálogo com a perspectiva genealógica (FOUCAULT, 2021), propomos pensar o Sci-fi como um aparato apto a captar os espectros moventes dos contornos múltiplos da carne, assim como os duplos plasmados pelas técnicas do virtual, no intuito de diagnosticar os impulsos condutores desses deslocamentos em diferentes regimes.

A presente pesquisa objetiva investigar os conceitos de avatar e avatarização na atualidade, a partir da esfera digital e da cultura pop, no contexto da Comunicação e dos Estudos de Performance. Nesse sentido,  problematizamos deslocamentos e recontextualizações de seres humanos e corporações, no âmbito da Música Pop, considerando os processos de síntese simbólica implicados na geração de avatares, buscando compreender em que medida esses processos estão relacionados a atos
performáticos. Inicialmente, realizamos uma retrospectiva histórica do termo
avatar, que remonta à narrativa teológica hinduísta, e da performance social que chamamos de avatarização. Começamos, então, a delinear uma possibilidade analítica de fenômenos comunicacionais baseada no que nomeamos de perspectiva da avatarização, norteada por questões que nos permitiram focar esse processo de trânsito interdimensional, por meio do qual um corpo, nomeado de avatar, é criado com o propósito específico de atuar numa dimensão outra em relação à dimensão original de quem o cria. Em seguida, procedemos ao estudo de performances das cantoras virtuais Hatsune Miku e Lil Miquela, através das ferramentas teórico-metodológicas dos dramas e roteiros performáticos, na esteira do pensamento de Diana Taylor, Thiago Soares, Adriana Amaral e Beatriz Polivanov. Nossas análises apontam que o esforço de coerência expressiva aparece como um importante recurso do storytelling corporativo incorporado pelas cantoras virtuais, como observado tanto na narrativa da mestiçagem em Lil Miquela, a qual se baseia em processos estratégicos de apropriação de estéticas e corpos afro-diaspóricos, quanto nos esforços para fomentar empatia e promover a criação colaborativa em torno de Hatsune Miku. A pesquisa evidencia, ainda, o papel decisivo das infraestruturas na música pop e a consolidação de novas corporalidades definidas pelo digital.

A presente pesquisa tem como ponto central a autoridade do público na produção jornalística, entendendo-se esse conceito como a possibilidade de interferência da sociedade, através dos consumidores de notícia, na linha editorial dos veículos de comunicação. Um dos instrumentos existentes para viabilizar esse processo é o ombudsman de imprensa, ainda que careça de poder sancionatório contra empresas ou jornalistas que cometem equívocos e que tenha sua função comumente questionada pela suposta falta de independência, de autonomia e de efeito prático na cobertura jornalística. Esta dissertação buscará aferir, a partir de duas categorias de indicadores, o que os ouvidores do leitor pensam sobre critérios normalmente associados a noções de balizamento da qualidade do jornalismo, como objetividade, neutralidade, imparcialidade e  equilíbrio, além de atestar se a atividade deles realmente possibilita que o público tenha incidência satisfatória ou plena na produção de notícias. Para isso, são analisadas colunas de ombudsmans da Folha de S. Paulo produzidas em todas as eleições presidenciais brasileiras desde 1989, o que resultou na avaliação de mais de 160 textos. Sustentam essa trajetória teorias propagadas por autores como Jürgen Habermas, Hans-Georg Gadamer, Ludwig Wittgenstein, Charles Peirce, Herbert J. Gans e Mikhail Bakhtin (filosofia da comunicação, linguagem, discurso jornalístico, autocompreensão normativa da mídia, autoridade do público, público e opinião pública), John Soloski, Harvey Molotch& Marilyn Lester, Michael Schudson, Gaye Tuchmann,  Warren Breed, Edward Herman, Miquel Rodrigo Alsina e Stuart Hall (teorias do jornalismo, construtivismo, objetividade, ideologia no discurso midiático e profissionalização do jornalismo), além de autores paradigmáticos sobre ideologia (como Karl Marx e Friedrich Engels, Louis Althusser, Marilena Chauí, John B. Thompson e Terry Eagleton) e sobre a deontologia, a ética e o instituto do ombudsman (a exemplo de Daniel Cornu, Pedrinho Guareschi, Caio Túlio Costa e Jairo Faria Mendes). O resultado, além de bastante atualizado, considerando que também incidiu sobre as eleições de 2022 entre Lula e Bolsonaro, também contém reflexões sobre caminhos para o ombudsman e a crítica de mídia em tempos de maior acesso dos leitores a outras formas de interação com os meios de comunicação.

O presente estudo discute as associações atribuídas aos termos plus size e gordofobia no banco de dados do Google em território brasileiro. Aqui, procura-se analisar como o corpo gordo é visibilizado, levando em consideração buscas realizadas das perspectivas do consumo e do ativismo. Com o suporte metodológico da Teoria Ator-Rede, de Bruno Latour, realiza-se um mapeamento do cenário brasileiro de buscas no Google sobre as temáticas mencionadas. Ainda, utilizam-se os conceitos de vigilância (FOUCAULT, 2007) e precariedade (BUTLER, 2018) para compreender a dinâmica social na qual o corpo gordo está inserido. Contanto, também, com discussões sobre a impossibilidade de neutralidade das plataformas (BENJAMIN, 2019) e a contribuição dos usuários para a dinâmica delas (VAIDHYANATHAN, 2011). 

Considerado um hibridismo entre o Brega recifense, o Funk carioca e o Tecnobrega paraense, o gênero musical Brega Funk recifense vem experimentando um crescimento nas notícias, plataformas digitais e nas  redes sociais virtuais, além de ser incorporado em campanhas políticas e educativas. Compreendendo o jornalismo como forma de conhecimento não formal e como contribuinte para que homens e mulheres entendam o mundo em que vivem buscaremos, com esta pesquisa, refletir como o jornalismo enquadra, em suas notícias e reportagens, o Brega Funk: se mostra seu alcance no cenário nacional, bem como suas reapropriações, como a escolha do ritmo para campanhas educativas contra assédio, por exemplo. Se faz isso, mas continua reforçando a criminalização da sua manifestação nas periferias, associando o gênero musical a disputas que envolvem tráfico de drogas e brigas entre torcidas organizadas dos times de futebol da cidade. Assim, a pergunta- problema que norteia nossa pesquisa é: Como o Brega Funk recifense vem sendo construído pelo jornalismo recifense? A partir da pergunta definimos nosso objetivo geral que é entender qual enquadramento é dado ao Brega Funk pelo jornalismo de Recife. Para responder a pergunta, nos debruçamos
nas Teorias do Jornalismo introduzindo a discussão do jornalismo como forma de conhecimento, analisando valores-notícia e enquadramento da mídia levando em consideração a sua contribuição na construção da realidade; bem como em pesquisas sobre o gênero musical Brega e as suas vertentes. Usamos como métodos, a pesquisa bibliográfica e documental e a análise de conteúdo (quantitativa e qualitativa). Para coletar os dados, utilizamos os sítios digitais de três veículos jornalísticos pernambucanos: o Jornal do Commercio, Folha de Pernambuco e Diario de Pernambuco, no período de 2004 a 2019 – desde o rompimento da cena Funk no Recife e marginalização dos encontros dos MC’s até a inserção do Brega Funk em campanhas institucionais; elencando as fases do Brega Funk na mídia recifense. Depois da recolha, selecionamos apenas os conteúdos que citam o Brega Funk (entre reportagens, notas e notícias), a fim de responder às perguntas que conduzem esta pesquisa. A partir da análise de conteúdo dos dados coletados, foram encontrados enquadramentos como "movimento cultural" e "resistência", que destacam o potencial do Brega Funk como uma expressão cultural legítima e autêntica. No entanto, ao mesmo tempo, foram identificados enquadramentos negativos que associam o gênero musical a um "lugar inseguro", "estigmatizado", "instável", "cafona" e "machista". Esses enquadramentos reforçam estereótipos e preconceitos em relação ao Brega Funk e limitam sua valorização e reconhecimento como uma manifestação cultural importante na cena musical de Pernambuco. Dessa forma, a pesquisa conclui que, apesar do crescimento do Brega Funk em Recife, o jornalismo local ainda reproduz estigmas e preconceitos em relação ao gênero musical, ao mesmo tempo em que também destaca suas virtudes e resistência como um movimento cultural. 

De Marker a Kramer, de Cavalier a Akerman, de Kiarostami a Kawase muitos cineastas realizaram cartas filmadas, filmes-cartas e vídeo-cartas. Diferente de um filme documentário ou de uma carta escrita, o cinema
epistolar se constitui de formas híbridas, heterogêneas e até “menores" à cinematografia. Nesta partilha sensível entre o cineasta e o espectador, entre o remetente e o destinatário, encontram-se filmes tecidos pela memória e a intimidade e que tem como horizonte a busca pelo outro. Pelo intercâmbio de vídeos que fizeram os integrantes da etnia Waiãpi conhecerem os integrantes da etnia Zo’é, pelos postais cinematográficos que  cruzaram o atlântico no começo do século XX devido a saudades que sofriam os imigrantes Galegos na América e pela correspondência poética criada pela experimentação em vídeo dos cineastas Shûji Terayama e Shuntarô  Tanikawa, esta dissertação de mestrado estuda a história das correspondências fílmicas na cultura visual relacionando seus exemplos na intenção de compreender a sobrevivência de seus fenômenos de origem e sua experiência estética, para assim, questionar como sujeitos que se constituem por imagens provocam o encontro com o outro que se sente convocado a se corresponder por imagens.

Este trabalho propõe uma investigação sobre as intenções estéticas e a elaboração dos conceitos sonoros nas filmografias contemporâneas do Recife. As análises partem dos rastros e vestígios do fazer criativo, como entrevistas, documentos e projetos de software de edição de áudio, fundamentadas pela crítica de processos e a criação como rede em criação proposta por Salles (2008, 2016). As relações criativas e metodológicas que surgem no decorrer da realização fílmica, as condições orçamentárias das produções e a forma como esses artistas lidam com as adversidades na elaboração dos projetos são percebidos como fatores relevantes nas obras finalizadas. Além dos percursos da crítica genética, apresenta-se o estreitamento entre a criação das sonoridades e as dimensões da continuidade intensificada no som (Smith, 2013), a partir dos documentos de processos que evidenciam a criação em Azougue Nazaré (Tiago Melo, 2018) e Fim de Semana no Paraíso Selvagem (Pedro Severino, 2022).

Pouco explorada na seara fílmica e acadêmica atualmente, a técnica Split Field Diopter (Dioptria de Campo Dividido) aponta múltiplas possibilidades de criação de narrativas simultâneas a partir da fusão de polos  postos do ecrã em uma percepção ilusória de uma profundidade de campo elevada. O presente trabalho tem como objetivo pesquisar, identificar e analisar a aplicação do Split Field Diopter como instrumento gerador de tensividade (ZILBERBERG, 2011) a partir de um recorte incluído no gênero Thriller de Suspense (DERRY, 1988) da filmografia do cineasta Brian De Palma na década de 1980. Para isto, se faz necessário percorrer uma trajetória bibliográfica que atravessa a passagem histórica e tecnológica do aparato até a década de 1980 e as reverberações da estética hitchcockiana em De Palma no gênero Thriller de Suspense. Reconhecida a  contribuição estilística e estética de Brian De Palma sobre o emprego do aparato, lança-se na dissertação uma investigação a respeito do uso tensivo do Split Field Diopter no filme Dressed to Kill (1980), que alegoriza o uso intensificado da técnica no enquadramento histórico, fundamentada em uma análise fílmica precisa atravessada por um modelo semiótico de pesquisa identificado por autores como Pietroforte (2021) no âmbito plástico e narrativo. Pensa-se que esta abordagem poderá servir de referência para aqueles interessados pela temática dissertada, além de ser útil na compilação de livros e artigos sobre o tema.

Na contemporaneidade emerge um desejo de expressão subjetiva, que se manifesta na circulação dos discursos em primeira pessoa presentes em diferentes plataformas, dentre elas o cinema e os aplicativos dos celulares. Esta profícua produção imagética, dinamizada pelas novas tecnologias e intensificada pelas práticas comunicacionais que se dão no universo online, evidencia e fomenta o falar de si para uma plateia. Neste trabalho, investigo o fenômeno da autoinscrição fílmica, presente nos filmes em primeira pessoa, e como estes se deslocam das salas escuras do cinema para uma virtualidade, quando a prática é feita por realizadoras audiovisuais em seus @perfis nas redes sociais. Para tal, realizo este estudo em  três etapas e inicio fazendo uma revisão bibliográfica acerca do fenômeno desde sua inquietação presente na pintura e na literatura. De forma a amparar a conceptualização, elejo as obras As Praias de Agnès (Les Plages d'Agnès), A Month of Single Frames, Nome de Batismo – Alice, News from home, Sink or Swi) e A Entrevista enquanto filmes em primeira pessoa. Em seguida, aplico o método de análise comparatista presente na constelação fílmica e também o aciono nas micronarrativas audiovisuais contemporâneas, publicações feitas no Instagram, pelos perfis @laiseque & @ilhadelaise, @dandarademorais & @diariosdeborder, @almanova8, @eu_sou_yane, @tretasan & @rebu.doc, @costadarenna, e @aurorajamelo. Por fim, localizando-me enquanto autora-narradora-pesquisadora, realizo uma entrevista semiestruturada com as realizadoras-administradoras-protagonistas dos @perfis selecionados.

Esta dissertação trata das relações entre identidade de gênero e gênero musical, a partir da trajetória das artistas Linn da Quebrada, Liniker e Raquel Virgínia e Assucena Assucena, associadas em textos jornalísticos e campanhas publicitárias à geração lacre, entendida na dissertação como uma categoria musical que aciona gêneros musicais distintos e coloca em cena os problemas de gênero em corporalidades desviantes. Com trabalhos bastante distintos entre si, as artistas possuem em comum as disputas sobre os problemas de gênero (BUTLER, 2003) e performances associadas à emergência (WILLIAMS, 1979) do lacre no agenciamento de sensibilidades e identificações em disputas por transformações. A partir de uma abordagem dos estudos culturais, a música é acionada em seus aspectos culturais e comunicacionais, considerando as relações de poder. Com base na compreensão do gênero (genre e gender) como categoria cultural, instável, imbricada às lutas travadas no tecido social, agenciadas por formações discursivas e regimes de verdade (FOUCAULT, 2014), entendo que os gêneros musicais, com suas construções de valor específicas, podem desvelar, em diferentes entradas, o processamento de performatividades, a partir de acionamentos agenciados nas performances musicais. Discuto como ocorre tal processo partindo da performance (TAYLOR, 2013) como operador analítico, a partir das relações estabelecidas pelas artistas com diferentes gêneros musicais em audiovisuais em rede (GUTMANN, 2021), evidenciando aproximações e distanciamentos com convenções dominantes tanto dos gêneros musicais, como das identidades de gênero

Há algo de inquietante em certas imagens de rituais. Os corpos nus, os movimentos circulares, e o momento do êxtase, capaz de dissociar o indivíduo de seu próprio corpo. Nessas imagens, essa passagem do sair-de-si torna-se visível. Seja num filme americano de 2015, num quadro espanhol do século XVIII, ou num tríptico holandês do século XVI, há uma potência que sobrevive o tempo e se faz mostrar: A sobrevivência de um imaginário ou uma simbólica que a tanto tempo foi comumente relacionado aos bacanais, ritos secretos da antiguidade de adoração ao deus Baco. Este trabalho se propõe a estudar a relação dessas imagens com essa estética do dionisíaco. A partir de autores como Mircea Eliade, Paul Ricoeur e Georges Bataille, investigo uma aproximação simbólica entre objetos do audiovisual como The Witch (2015), Climax (2018) e The devils (1971) com um dionisíaco contemporâneo, um apanhado simbólico que aponte para o sentido do dionisíaco. Como e porquê ele teria sobrevivido na cultura visual ocidental, e o que isso nos diz com nossa forma de lidar com o sagrado no contemporâneo?

As discussões sobre gênero e sexualidade no cinema brasileiro contemporâneo têm sido ampliadas através das perspectivas queer. Este estudo segue essa tendência ao observar a presença de manifestações estéticas do artifício nos filmes brasileiros da década de 2010, como o uso de cores e luzes néon. Para compreender essas conexões, no primeiro capítulo, o estudo inicia abordando a teoria queer e suas proposições políticas, examinando as raízes estéticas do movimento underground de cinema norte-americano que influenciam atualmente. Em seguida, o projeto indica caminhos do cinema queer e suas estéticas, além de realizar um breve panorama da história do cinema queer brasileiro para entender a crescente estética do artifício. No segundo capítulo, a pesquisa se aprofunda na linguagem cinematográfica, observando a luz e a cor como elementos relacionados à moralidade, sensorialidade e espectatorialidade queer. São apresentados exemplos estéticos, assim como a história da luz néon, para compreender a diferenciação e a identificação dos sujeitos queer diante do seu uso. Por fim, no terceiro capítulo, para ilustrar e fundamentar esse fenômeno, são indicados o uso do néon no cinema de maneira geral e uma constelação fílmica (SOUTO, 2019) é criada, denominando-se "néon queer brasileiro a partir de 2010";, composta por 10 filmes que são analisados de forma comparativa.

O presente trabalho investiga a monstruosidade feminina representada dentro de obras audiovisuais do gênero de Horror feitas por mulheres. Através da análise de diversos filmes dirigidos por mulheres, pretende-se enxergar as novas potencialidades que surgem a partir da figura da mulher monstruosa no momento em que diretoras e roteiristas começam a criar suas próprias narrativas e a participarem do cinema como criadoras ativas, tornando-se também criaturas à medida que colocam sua própria monstruosidade, a monstruosidade feminina, como objeto de exploração. Através da auto representação - cineastas mulheres retratando mulheres monstruosas - as figuras monstruosas fogem do olhar do ‘outro’ e criam um produto fílmico insólito, trazendo consigo novas possibilidades e potencialidades estéticas e narrativas. A pesquisa faz a seguinte questão: “O que pode um corpo monstruoso?” A dissertação propõe a hipótese de que este corpo monstruoso tem potencial para ser uma possibilidade de existência política fora das sombras do patriarcado e da heteronormatividade. O aparato teórico da pesquisa põe em pauta o trabalho de autores como Barbara Creed, Julia Kristeva, Umberto Eco, Gilbert Durand, dentre outros teóricos que se dedicam à pesquisa da experiência estética, da monstruosidade e dos estudos de gênero.

A cultura do cancelamento ganhou força no princípio da terceira década do século XXI, principalmente nos sites de redes sociais, como o Instagram. Esta pesquisa tem como objetivo investigar esse fenômeno e sua relação com as
comunidades de vida e de sentido, a partir dos conceitos propostos por Berger e Luckmann (2004). Também observamos essa manifestação a partir dos estudos de Recuero (2009) sobre redes sociais na internet e Bourdieu
(1986,1998, 2004) com a teoria dos capitais. Domingues e Miranda (2018) possibilitam estabelecer um paralelo entre a cultura do cancelamento e o consumo de ativismo e identificar fatores que potencializam e estabelecem
essa cultura como uma possível determinante de participação e ruptura em comunidades de sentido. Com abordagem qualitativa, entendemos a função do discurso como elemento de formação de regras de sentido dentro dessas comunidades. O corpus de pesquisa contou com três casos de cancelamento com ampla repercussão em rede, a partir dos quais foi possível analisar como as disputas discursivas presentes na cultura do cancelamento podem determinar rupturas em comunidades de sentido.

O gênero funk no Brasil tem os primeiros passos de sua construção marcados no Rio de Janeiro, mas atualmente é reconfigurado globalmente. Em Belo Horizonte, as expressões desta categorização musical têm desenvolvido estéticas e sonoridades eletrônicas particulares desde meados da década de 2010, reivindicadas a uma
singularidade local, que encontra simbolismo no bordão: “BH é quem? BH é nóis”. Utilizo tal bordão, amplamente difundido pela produção funkeira mas também escoado por diversas expressões comunicacionais em diferentes contextos da cidade, como um gatilho para percorrer camadas performáticas que emergem através do som e dizem da articulação entre música-território-corpo. Junto às noções de performance/oralituras (MARTINS, 2021), escuta conexa (JANOTTI JR, 2023) e audiovisual em rede (GUTMANN, 2021), analiso singularidades sônicas do funk de Belo Horizonte, entre os rearranjos do gênero musical em contextos fora eixo Rio-São Paulo, e passeio por seus statements midiáticos, entendendo as dinâmicas de hegemonia e contra-hegemonia que são encenadas em diversas espirais nas categorizações musicais. Trago elaborações acerca de práticas musicais eletrônicas como as “montagens” enquanto fonografias (JAMES, 2019) e pensamentos sonoros afrodiaspóricos que possibilitam a emergência de outras visões de mundo, os quais tomam o saber corporificado como constituinte inescapável da produção e da escuta musical. Busco, assim, também apontar para outras coletividades no imaginário musical da capital mineira, atravessadas por marcadores interseccionais.

Nesta dissertação, questionamos, como problema de pesquisa, como as mídias radicais alternativas constroem produtos midiáticos a partir de imagens de violência policial. Buscamos identificar e compreender as diversas formas como movimentos sociais, veículos e agentes de comunicação ativista e alternativa utilizam imagens flagrantes de abusos cometidos por agentes de segurança na composição de seus materiais. Partimos das hipóteses de que muitas dessas iniciativas estruturam-se segundo os preceitos profissionais e textuais do
jornalismo, resultando em um jornalismo de defesa. Tal fenômeno seria fundamentado sobre a circulação de Imagens de Defesa – flagrantes e representaçõesda brutalidade que buscam cessar a truculência e letalidade que marcam o trato das populações marginalizadas. A Teoria do Enquadramento nos serve de base para
compreender tanto a instrumentalização das imagens como ferramentas de dominação quanto os processos de desenquadramento promovidos como resposta à violência (Butler, 2018; Sontag, 2003). Nas tentativas de resistência à desumanização, a comunicação por vezes configura-se como tática de autodefesa dos povos (Dorlin, 2020), situando esses esforços informacionais na categoria de Mídia Radical Alternativa em razão de seus contextos e propósitos (Downing, 2004). Na atualidade informatizada, as dinâmicas entre os atores nas redes digitais alimentam comoção e revolta online através de imagens e relatos da violência policial, chegando a insuflar protestos nas ruas, influenciar ações políticas e jurídicas, elucidar casos e pautar os veículos tradicionais de imprensa (Mattos, 2017). Tais denúncias, reações e debates escrevem um novo capítulo das revoltas raciais contra a violência policial (Hinton, 2021). Para analisar nosso objeto, selecionamos, através de um processo de autonetnografia (Amaral, 2009), um corpus composto por projetos brasileiros de mídia radical alternativa disponibilizados online entre 2020 e 2022. Com o auxílio dos instrumentos da Análise de Conteúdo (Bardin, 2002) e da “leitura crítica de narrativas audiovisuais”, desenvolvida por Becker (2012), pudemos apontar como iniciativas de jornalismo de defesa, campanhas de combate, artivismo e mídia independente opinativa, através do uso diverso de flagrantes e representações da violência policial, que buscam promover a  segurança da população e a preservação dos direitos e dignidade das vítimas. Concluímos esta investigação reconhecendo o importante papel que essas imagens têm nas lutas por proteção e responsabilização na atualidade, mas apontando a necessidade de discussão sobre a revitimização que seu uso indiscriminado pode promover. 

Esta tese  busca  abrir  novas  perspectivas  para os  estudos  sobre silêncios  e  silenciamentos  em  zonas  críticas  ambientais.  No que diz  respeito  ao arcabouço teórico partimos da Cultura do Silêncio postulada por Paulo Freire (1976, 1983), incorporando o conceito e os estudos de Eni Orlandi (1990, 1995) sobre as formas do silêncio na linguística. Utilizamos uma variedade de métodos para analisar a desarticulação de  narrativas  relacionadas  às  doenças  que  atingem 
agricultores  e agricultoras familiares e  os  trabalhadores  das  grandes  fazendas que  utilizam agrotóxicos. Longe dos centros onde se organizam as principais empresas de mídia brasileiras e moram a maioria dos influenciadores digitais, os problemas ambientais e de saúde humana de comunidades do Vale do São Francisco compõem o estudo de caso deste estudo. Para mapear essas controvérsias, entrevistamos dezenas de profissionais de diversos campos de atuação ligados aos agrotóxicos e dos problemas de saúde causados pela exposição humana a esse tipo de substâncias, especialmente nas cidades de  Juazeiro,  da  Bahia,  e  Petrolina,  em  Pernambuco.  Nesse contexto, buscamos desenvolver uma nova metodologia para estudos dos silêncios e silenciamentos através da análise de conteúdo, do estudo histórico e de entrevistas com moradores da região, a partir da perspectiva de que a cultura de uma população influencia na forma que se desenvolvem os silenciamentos e é parte fundamental nos estudos do tema.

Esta tese cartografa um modo de inserção de imagens e sons em espaços de formação com o fito de  desenvolver habilidades relacionais e sócio-afetivas a partir de três emblemas de ação: a Inteligência da pele, a Produção de espaço-tempo e o Campo mental compartilhado, categorias criadas ao iluminar jogos audiovisuais desenvolvidos no projeto Escola Engenho, espaço de experimentação e pesquisa audiovisual para crianças e adolescentes, realizado entre 2011 e 2016 na periferia do Recife, com referências presentes nas literaturas alquímica (CARVALHO, 1995; ROOB, 2001), mística (JODOROWSKY, 2009) e nas cosmovisões ameríndias (VIVEIROS DE CASTRO, 2013) (KOPENAWA; ALBERT, 2015). O trabalho analisa a hipótese de o cinema induzir a uma relação de experiência com as imagens e sons, diferenciando-se da relação de representação e consumo estimulada pelas sociedades videológicas (BUCCI; KHEL, 2004) contemporâneas. Caracterizo um reposicionamento da dimensão estética da educação, e da possibilidade de emancipação através de uma politica afetiva das imagens pelo presença das noções de transmutação da matéria, de reversibilidade e de narrativas multi-perspectivadas em tais práticas, entendendo que este modo de estar juntos/as pode agir para agindo para des-naturalizar a relação da linguagem cinematográfica com a produção de subjetividades em curso no século XXI.

Esta tese de percurso discute a construção do jornalismo visual nas narrativas de grandes reportagens produzidas no Brasil, indicando características da cultura visual jornalística na trajetória de sua produção. A base teórica busca estabelecer como os recursos visuais funcionam em conjunto na grande reportagem enquanto elementos narrativos, articulando palavras, imagens e design. A pesquisa revisita a história de produções jornalísticas expressivas, apresentando uma historiografia ilustrada da grande reportagem com exemplos brasileiros e estrangeiros, entre eles, das revistas O Cruzeiro, Diretrizes e Realidade, do Jornal do Brasil e do Jornal da Tarde. A tese discute a valorização da área no Brasil, apresentando transformações gráficas que atingem a imprensa durante a transição para os meios de produção digitais. Foi elaborada uma matriz metodológica para investigar o percurso do jornalismo visual da grande reportagem e sua produção contemporânea. A análise estabeleceu planos, divididos em elementos estruturais, funcionais e expressivos, baseados no modelo de análise pragmática da narrativa. A partir deles, identificaram-se como parâmetros principais: a narrativa visual, a edição, o design e a visibilidade. Também foram entrevistados quinze profissionais integrantes de equipes de produção visual. A metodologia de Lluís Codina (2004) foi adaptada para organizar sistematicamente o olhar sobre as reportagens, criando indicadores e fases de observação. A tese apresenta a análise densa de quatro grandes reportagens contemporâneas dos jornais O Povo (CE), Jornal do Commercio (PE), Estado de Minas (MG) e O Estado de S. Paulo (SP), além de citar outros exemplos. A pesquisa revelou um período de ruptura do jornalismo visual com mudanças de funções e valorização de novas experiências visuais para leitores de telas e a necessidade da formação de jornalistas visuais.

Esta tese pesquisa as reivindicações do lugar feitas pela ficção audiovisual. Isso é feito no sentido de se compreender as formulações do espaço cênico no audiovisual. Para isso, na introdução, a tese começa por indicar as sensibilidades que motivaram a pesquisa, localizando o autor como um espectador implicado, interessado em construir um fluxo de audiovisualidade a partir de obras audiovisuais genéricas e que colocam em cena o espaço a partir de artifícios criativos e tecnológicos. No capítulo “As articulações e os  desdobramentos do espaço na ficção audiovisual: paisagens em multiverso e as ficções do lugar”, propõe-se a metodologia de multiverso como maneira de organizar as aparições audiovisuais de espaços ficcionais para análise, defendendo uma abordagem intermidiática para a tese, tanto no sentido de abrir a investigação para além da especificidade do cinema (e daí a preferência pelo termo “audiovisual”) quanto por reconhecer nas audiovisualidades gestos criativos e performáticos que se associam a outras formas de arte e mídia. Ainda nesse capítulo, a tese define os termos de espaço, lugar e paisagem, mas defende a apresentação do espaço em cena na audiovisualidade como acionando, simultaneamente e de maneira frequentemente indistinta, todos esses conceitos, interessando-se mais pelo acionamento do espaço, lugar e paisagem por gestos de encenação e enquadramento na ficção audiovisual. Isso serve para perceber uma instabilidade da identificação do espaço cênico que demanda uma revisão da expectativas de indexicalidade sobre ele, algo que atravessa toda a tese. Após estabelecer esses fundamentos teóricos, conceituais e metodológicos, a tese tem sequência com três capítulos que organizam, cada um deles, um multiverso específico para análise, partindo de gêneros consolidados da ficção audiovisual. No capítulo “O palco no musical”, investiga-se os palcos que inserem novos espaços ficcionais dentro da própria ficção audiovisual. No capítulo “Melodrama, interiores em crise”, apura-se o gênero do melodrama como um fenômeno global que mobiliza diferentes relações entre interioridade e exterioridade, atuando a partir de gestos excessivos e rigorosas intervenções formais no espaço cênico. Por fim, no capítulo “O contorno de espaços desconhecidos”, indaga-se sobre o deserto do faroeste, a animação e o espaço extraterrestre da ficção-científica como espaços além da fronteira que problematizam radicalmente as distinções colocadas entre espaço, lugar e paisagem no audiovisual. 

As novas dinâmicas comunicacionais surgidas desde a popularização da internet e dos dispositivos digitais e do surgimento das redes sociais digitais levaram a sociedade a novos estágios das relações sociais. O novo  paradigma social leva tanto a ganhos substanciais como a problemas relevantes, entre os quais está o aumento das crises de sentido pela pluralidade de fontes e o ataque a algumas instituições responsáveis pela organização de sentido, como é o caso do jornalismo. Diante de uma crise de credibilidade, as organizações
jornalísticas buscam formas de se reafirmar como prática profissional sustentável e como detentoras de poder simbólico de construção da realidade. É nesse cenário que as produções transmídia se apresentam como
possibilidades para essas organizações midiáticas se reaproximarem de sua audiência ao adotar um tipo de produto que se pauta na participação dos usuários e no espalhamento de conteúdo por diversas mídias. Esta tese se propõe a entender as potencialidades e características da audiência que não apenas consome passivamente, mas que interage com os produtos jornalísticos transmídia e, assim, compreender como essa audiência coproduz sentido e participa da construção da realidade social exercida pelo jornalismo. Para tal, dentro de um viés qualitativo e exploratório, analisou-se dados coletados a partir de um mês de observação dos produtos transmidiáticos Fantástico, da Rede Globo, e Resumido, podcast independente produzido por uma pequena equipe liderada pelo jornalista Bruno Natal. Esses dados foram complementados por entrevistas semi-estruturadas com o ex- coordenador de digital do Fantástico, Giovanni Sanfilippo, e com o próprio Bruno Natal. As análises percorreram um caminho que mesclou um método dedutivo inspirado na análise de conteúdo - o qual permitiu o fluxo desde a teoria até o objeto, com a elaboração de categorias prévias - com o método indutivo, baseado na Grounded Theory, a partir do qual desenvolveu-se o fluxo desde o objeto para a teoria, com categorias sendo criadas após o contato com os produtos estudados. O estudo apresenta a proposta do conceito de audiência expandida, que é uma definição ampla da audiência que tanto tem suas possibilidades técnicas expandidas como expande sua própria ontologia. O conceito confirma algumas características e possibilidades previstas nas teorias visitadas, propõe algumas alterações em outras e também propõe novos pontos autorais.

Os regimes digitais transformaram a sociedade em incontáveis campos, no cinema não foi diferente. A  presente pesquisa reconhece que a direção de fotografia na era digital, em grande medida, almeja transpor ao novo formato todas as potencialidades e capacidades do consolidado regime de produção que vigorou durante um século de cinema. Muitos dos procedimentos do cinema clássico, regimes de produção, elementos de estilo, se mantém, quase que integralmente, preservados. Essa mudança de plataforma, do acetato de celulose ao sensor digital, certamente não é objeto de interesse da presente pesquisa. Não é o estudo da manutenção dos estatutos clássicos ou das soluções de emulação de mídia que nos interessa. O problema que justifica a presente pesquisa é justamente o oposto: que fenômenos, tecnológicos e estilísticos, singularizam a cinematografia digital? Que parâmetros marcam a s rupturas, intensificações e transformações da direção de fotografia na hipermodernidade? Como os #interna fenômenos sociais, culturais e tecnológicos de nosso tempo transformaram o modo de produzir imagens, gráficas e fotográficas? A partir de pilares teóricos como a hipermodernidade, continuidade intensificada e realocação dos meios, buscamos investigar a condição contemporânea da cinematografia que, cada vez mais, se afasta de sua vocação de encapsular o universo natural para se constituir em arte da geração de imagens sintéticas.

Este trabalho analisa o papel desempenhado pelos portais enquanto mediadores do debate na Esfera Pública fragmentada. Para isso, estabelece uma discussão acerca da evolução do conceito de Esfera Pública e sua subsequente fragmentação potencializada pela rede. Com a crescente horizontalização das comunicações, marca da web 2.0, o potencial da autocomunicação de massa e a crescente personalização de conteúdos, se procura aprofundar os entendimentos acerca do lugar ocupado pelos portais dentro desse ecossistema digital. De um lado, a crescente utilização de algoritmos como filtros do conteúdo oferecido aos usuários através de plataformas de redes sociais, buscadores e portais. Do outro, as funções democráticas que, espera-se, sejam cumpridas pelo jornalismo comercial, mesmo com suas contradições internas entre o seu papel normativo e a maximização dos lucros. Desse modo, o presente trabalho conta com um estudo de caso empírico-teórico do primeiro turno das eleições presidenciais de 2018 no Brasil para compreender os processos de personalização utilizados nas homepages e analisar a diversidade de conteúdos e enquadramentos oferecida pela cobertura dos portais O Globo.com e UOL. Em um cenário que coloca lado a lado excesso de informações e uma crescente discussão acerca das bolhas geradas por algoritmos e câmaras de eco, o jornalismo desses sites pode apresentar pontes entre esses espaços fechados ou apenas potencializar essa fragmentação.

Por entender a música pop como espaço fortemente identificado com a juventude, esta pesquisa busca analisar como a permanência de cantoras velhas em atividade produz incômodo no âmbito da cultura midiática. Para isso, a tese contextualiza o cenário hostil ao envelhecimento no gênero pop dance, mostrando como o avanço da idade impacta na longevidade das carreiras de mulheres cujos trabalhos estiveram predominantemente
vinculados ao corpo atlético, sexualizado e jovem. Postula-se que a vigilância e o controle do corpo sintetizam a articulação das lógicas do biopoder foucaultiano e da “reprivatização da velhice” (DEBERT, 2020) dentro de enquadramentos de gênero. Adota-se a crítica à ideia do envelhecimento positivo, bastante difundida midiaticamente sob a roupagem do cuidado de si e da autoajuda, abrindo o debate sobre as potências epistêmicas da velhice como aspecto interseccional. Dois aportes teóricos são centrais para o assentamento desta argumentação: a noção de incômodo no campo da música (TROTTA, 2016), desenvolvida a partir dos escritos de sobre experiências musicais compulsórias, em deslocamento para os estudos do corpo, no mapeamento de desconfortos sociais que operam códigos de conduta, padrões éticos e estéticos tensionados pelo contato inescapável com a presença do “Outro”; e a noção de “moral da pele lisa” (SIBILIA, 2011), para pensar o rechaço ao corpo velho nas instâncias midiáticas na chave da obscenidade, do moralmente  inadequado que precisa ser dissimulado pelos inúmeros recursos digitais disponíveis. Como resultado, a pesquisa oferece um panorama das modulações que as diferentes culturas operam nas nuances da longevidade e do idadismo nos contextos estadunidense e brasileiro, apontando para zonas de negociação turvas em que artistas mulheres da música pop precisam atuar para seguirem ocupando espaços midiáticos. Duas operações empíricas são empreendidas: na primeira, coloca-se em perspectiva duas estrelas da música pop  estadunidense (Madonna e Cher) com o intuito de verificar, nas performances ao vivo, os imperativos do corpo pós-disciplinar e as crises que emergem da escolha de seguirem em plena atividade na indústria do  entretenimento; na segunda, examina como a cultura brasileira modula a velhice de uma importante cantora pop (Gretchen) na engrenagem do humor e do processo de memetização como possibilidade de permanência no mercado musical espraiado nas redes sociais digitais. Conclui-se que o envelhecimento feminino instaura uma série de problemas de enquadramento para cantoras pop ao impor a necessidade de negociação e gestão de imagem, incidindo em processos que revelam tanto a violência da exposição e do bullying ao corpo velho, quanto a capitalização e negociação da jocosidade como estratégia de reposicionamento pessoal e artístico (rebranding). Aposta-se na premissa de que a violência estrutural do idadismo pode ser tensionada, negociada e até revertida em benefício de quem ousa não parar.

Inventariar as (r)existências audiovisuais lesbianas na América Latina e ralar as narrativas visuais com as lembranças e as possibilidades de futuro. Lesbianas latinoamericanas como correnteza. Construir mapas emocionais, afetivos, sexuais, de contações que desaguam e criam ondas de memórias, imaginações, imagens e
vivências de um desejo por um outro espaço que seja experencialmente lesbiano. Fluxos de disputa de imagéticas e das figurações dos nossos corpos-território no cinema. Tomando como ponto de partida para essa travessia filmes desse inventário lesbiano em que a presença das águas emerge como metáfora-fundamento para o desejo de (r)existência, uma perspectiva situada das lesbianidades e a ancestralidade na América Latina. Com as poéticas e narrativas das realizadoras, vamos vislumbrar imagens que enredam diálogos sobre vivências lesbianas, sobre as criações de imaginários e afetações, como essas produções nos tocam, nos movimentam, costuram no peito simbólicos, sentidos e possibilidades de nos ver e sermos vistas. Seguimos com os fluxos das águas, leitos de imagens que disputam o nosso lugar no mundo e no cinema, a partir do sul global.

A presente tese lida com a persistência do fim do mundo no universo das imagens técnicas e de algumas tradições históricas e religiosas. Primeiro, pergunta-se acerca de uma justificativa para a proliferação da temática em tantas obras artísticas e midiáticas, bem como em diversos acontecimentos históricos. No entanto, para a isso  respondemos, temos que fazer uma investigação aprofundada sobre as ideias de “mundo” e de seu fim a partir da filosofia e das ciências da religião. Portanto, a tese divide-se em duas partes, na primeira, olhamos para uma série de teorias que nos auxiliam a firmar o fim do mundo de maneira mais precisa, de modo que sejamos capazes de reconhecer o que fundamenta nossa investigação como tal, e na segunda, expomos diversas manifestações do fenômeno em diversos tempos no intuito de montarmos um esboço de narrativa que revele as dinâmicas mitológicas, históricas e midiáticas do nosso tema. Independente do capítulo, a presente tese é sempre auxiliada por diversos projetos hermenêuticos do século XX.

O presente trabalho procura desenvolver a relação entre pensamento e filme-ensaio, a partir de revisão teórica sobre o tema do ensaísmo no cinema e de articulações com autores da Educação. Pretende-se elaborar os contornos de uma pedagogia do olhar e um pensamento por imagem a partir da prática de visualização e realização de filmes de caráter ensaístico (seja documental, documentário autobiográfico, inscrição em primeira pessoa), cujos gestos de montagem (interromper e repetir) reforçam a singularidade da forma de pensar do cinema. Por outro lado, procuramos compreender o lugar especial que o espectador assume diante de filmes-ensaísticos, tentando pensar, de forma analógica, o estatuto do espectador e o lugar do “aprendente” no contexto de uma educação cinematográfica (ou de uma Cine-pedagogia). Apresentamos o relato de uma experiência de
disciplina (Currículo, Cinema e Educação), ministrada por mim e pelos professores Thiago Antunes e Thereza Didier, para o curso de Pedagogia, no Centro de Educação da UFPE. A disciplina tinha como propósito estimular a apropriação de repertório de filmes ensaísticos, de instrumentos, técnicas e estratégias de trabalho com arquivos de imagem e som. Daí também a importância de pensarmos a ideia de “arquivo” no contexto de disponibilização
e circulação caótica das imagens na Internet, bem como a importância do fazer fílmico como gesto de criação de remansos de memória e atenção para esse material. Por fim, discutimos no capítulo de conclusão o problema da produção da dúvida através do uso gratuito e irresponsável de ferramentas de edição e o lugar do cinema, especialmente do filme-ensaio, para pensar a dúvida sob outro ângulo: não aquela que implica descrença no mundo e indiferença, mas a que nos coloca a postos para assumir a responsabilidade de olhar de frente para seus problemas, violências e desigualdades. 

No presente trabalho buscamos refletir sobre o uso de elementos basilares da cultura neopentecostal brasileira, em especial aos preceitos difundidos pela Igreja Universal do Reino de Deus (IURD), para tanto tomamos como ponto norteador o testemunho presente no produto midiático gospel “Os dez mandamentos - O Filme” (2016). Assim, propomos um estudo que contemple as dinâmicas neopentecostais e suas produções simbólicas como uma manifestação cultural rica em sentidos e estímulos, capaz de articular a realidade do fiel e o texto bíblico em prol de suas leituras simbólicas contemporâneas. Buscamos com isso, compreender como a IURD representa seu imaginário no entretenimento audiovisual fílmico, empregando nesse exercício reflexivo suas noções da Teologia da Prosperidade e Guerra Espiritual. Para isso, foi construído um referencial teórico que se debruça sobre três grandes áreas das ciências humanas: religião, comunicação e Análise do Discurso (AD). Para a composição do corpus de pesquisa e método de análise objetivou-se a compreensão das
mensagens contidas no filme “Os dez mandamentos - O filme”, optando por realizar uma análise à luz da memória discursiva, como postulado por Pêcheux, usando por recorte as noções de Guerra Espiritual e Teologia da Prosperidade presentes no testemunho da personagem Josué.

O funk brasileiro é compreendido como um gênero de música negra compartilhado com artistas e demais fruidores brancos. Apesar das entradas do funk no mainstream desde a década de 1990, o estigma do funkeiro e a criminalização do gênero musical permanecem e são atrelados a uma intersecção de questões: geográficas, de classe, raça e de gênero. Sendo o funk um vetor de tensionamentos sociais, políticos e estéticos, investigo a branquitude em performances de artistas brancos do funk ou que se vinculam a ele em determinado momento de suas carreiras, identificando possíveis disputas e deslocamentos do gênero musical no ecossistema de mídias conectadas. Observo o corpo enquanto local de transmissão de conhecimento a partir de artistas como Anitta, Kevinho, e Adriana Calcanhotto. Compreendo a branquitude enquanto local de poder, identidade étnico-racial atribuída a pessoas brancas e dispositivo analítico que faz emergir a subjetividade branca em contextos aparentemente não-racializados. Resultando em encenações de afastamento do estigma do funkeiro, observada através de Kevinho; de moralização da bunda no funk, em videoclipe de Adriana Calcanhotto; de trânsitos raciais e entre gênero musicais ao mobilizados pela ideia de mestiçagem acionada por Anitta.

Nesta pesquisa, analisamos o enfoque narrativo adotado pelo jornalismo independente em Pernambuco ao noticiar a pandemia do novo coronavírus, que se configurou no principal tema do noticiário jornalístico em todo o mundo no biênio 2020/2021. O levantamento incide, especificamente, sobre o portal Marco Zero Conteúdo, principal veículo de mídia independente do Estado, buscando desvendar os enquadramentos adotados pelo coletivo, que se dispõe a priorizar pautas de interesse das periferias, grupos socialmente excluídos, movimentos sociais e comunitários. Com base na metodologia de análise pragmática da narrativa jornalística, proposta por Luiz Gonzaga Motta, procuramos identificar a existência de uma relação intersubjetiva entre os narradores e a audiência a que se dirigem, verificando suas intencionalidades e estratégias utilizadas para obter a validação dos receptores. Embora utilize recursos retóricos semelhantes aos adotados pela mídia tradicional, o Marco Zero toma como base o paradigma construtivista, desvinculando-se dos escudos da objetividade e imparcialidade sob os quais o jornalismo tradicional busca se proteger para pretender eximir-se de envolvimento com os fatos noticiados. O recorte temporal desta pesquisa engloba os primeiros seis meses da pandemia em Pernambuco, entre março e setembro de 2020, período configurado como o mais crítico da “primeira onda”, cujos impactos ganharam mais peso por conta do ineditismo da doença, gerando notícias por vezes desencontradas e sem base científica, além de muita desinformação. Dentro das regras propostas por Motta, analisamos várias reportagens publicadas pelo coletivo que possam denotar a preocupação de contribuir para a compreensão de uma inesperada crise sanitária, bem como das medidas adotadas – ou negligenciadas – por gestores públicos, cientistas e órgãos responsáveis pela prevenção e combate à Covid-19, oferecendo informações colhidas junto a setores oficiais e também alternativos, tanto no campo de ciência como nas comunidades e bastidores políticos. Nossa pesquisa adotou marcos teóricos propostos por autores que trabalham a narrativa jornalística, os novos meios tecnológicos de comunicação, a construção social da realidade, a democracia e a esfera pública. Entre eles, Motta (2006; 2013; 2017), Castells (2000; 2008; 2013), Schudson (1988; 2010), Traquina (2016) e Habermas (1997; 2002; 2010). Buscamos nas suas teses e ideias respaldo importante para verificar se o webjornalismo praticado pelo Marco Zero, enquanto mídia alternativa e independente, tem, de fato, potencial para contribuir com a democratização da informação e a inclusão social em Pernambuco.

A cultura pop é construída por vários clichês que nos atravessam diariamente, e com a música pop sul-coreana não é diferente. O K-pop, como um projeto de modernidade e divulgação de uma certa ideia de coreanidade, se espraia pelo mundo acionando clichês e apresentando horizontes raciais e de gênero muito bem demarcados. Encontramos na dança cover de K-pop um terreno profícuo para observar as incorporações dos valores da Onda Coreana, pois como aponta Diana Taylor (2013), com as noções de arquivo e repertório, o corpo também é uma instância de transmissão do conhecimento que se atualiza a cada performance, e ao reservarmos nosso olhar para os covers de K-pop no Recife, encontramos fãs marcados por aquilo que Butler (2019) reconhece como precariedade, corpos sujeitos à diversas situações de marginalização social e preconceito, mas que encontram na condição compartilhada de precariedade um elo de solidariedade, permitindo a soma e atravessamento dessas lutas, reivindicando para si o espaço público. A pesquisa é desenvolvida a partir de um reconhecimento dos padrões de corpo, identidade, raça e sexualidade cristalizados no pop-sulcoreano por meio da observação de exemplos consagrados no mercado, como o grupo Girls’ Generation. Prossegue-se com a percepção da capilaridade ao analisarmos covers de dança que se utilizam da tag “KPOP IN PUBLIC” na rede social de compartilhamento de vídeos YouTube, onde encontramos assimilações de uma estética da fofura, o aegyo, que passa a operar sob a chave do “lacre”, do exagero, ao ser incorporada por homens gays negros e latinos. O processo se afunila quando acompanho o grupo Black Unicorn, que materializa as diversas marcas de precariedade apontadas por Butler (2019) e faz aparecer a noção de solidariedade delineada pela autora quando esse grupo de jovens vidas precárias se reúnem para dançar e atualizar as coreografias do K-pop com seus corpos desviantes.

Os atravessamentos entre a ficção e o real são cada vez mais sutis e menos demarcados quando pensamos nas imagens produzidas para redes sociais. A intensa produção de si mesmo através da imagem compartilhada em plataformas digitais parte de uma indiscernibilidade, entre o real e a ficção, constitutiva do sujeito contemporâneo. No cinema contemporâneo, podemos pensar sobre essa condição na aproximação com as artes visuais. A pesquisa faz um recorte e seleciona três documentários brasileiros e contemporâneos que apresentam uma relação intensa entre a performance e a teatralidade, resultando em um investimento no corpo, ao mesmo tempo em que a imagem o denuncia enquanto manipulação. Com base nos escritos de Josette Féral (2015) sobre a performance e a teatralidade, o trabalho busca analisar a dimensão performática que confere à imagem uma experiência do vivido e a teatralidade que denuncia o ordenamento da cena. O corpus da pesquisa é composto pelos documentários: Era o Hotel Cambridge (2016) de Eliane Caffé; Swinguerra (2019) de Bárbara Wagner e Benjamin de Burca; e AGORA (2020) de Andréa Ferraz. Além dessa aproximação formal, também existe um contexto político no qual tais filmes estão inseridos. Todos eles, à sua maneira, abordam os desdobramentos de políticas neoliberais em um contexto micropolítico, como elas afetam a relação do sujeito com o outro e no contato consigo mesmo. O gesto é decisivo para pensarmos a dimensão política nesses documentários, pois ele cria uma tensão na relação apaziguada entre o real e a ficção na imagem. Diante disso, a noção do gesto será pensada sob uma perspectiva da não normalização dos nossos movimentos corporais, frutos de uma constituição social mediada por dispositivos de controle. “No cinema, uma sociedade que perdeu seus gestos, procura reapropiar-se daquilo que perdeu e, ao mesmo tempo, registra sua perda. ” (AGAMBEN, 2015, p. 54).

O forró possui uma trajetória histórica de transições sonoras e estilísticas que são atravessadas, em grande parte, por uma ideia de nordestinidade. A pesquisa visa investigar como é articulada, contemporaneamente, no forró eletrônico, a nordestinidade, em tempos onde o consumo de música na internet favorece intensas trocas e deslocamentos de gêneros musicais. Para abordar esse tema, definimos como corpus de pesquisa três videoclipes da carreira de Mano Walter, um dos expoentes de maior sucesso comercial do forró eletrônico. Esta é uma pesquisa qualitativa, na qual utilizamos transversalmente, as proposições da análise midiática do 
videoclipe (SOARES, 2006) e a análise das mediações dos videoclipes pós-MTV (SÁ, 2021), em conjunto com a análise documental (LIMA JR., 2021). A partir de três vetores, a vaquejada, a ostentação e a masculinidade, identificamos que o artista performatiza em sua assinatura uma ideia de nordestinidade que reconfigura, e também reitera, as ideias que permeiam a própria fundação do Nordeste enquanto região, inserindo o forró em uma vasta rede sócio técnica de música pop periférica.

O grande sucesso de audiência e faturamento das plataformas de streaming, em especial a Netflix, provocou mudanças ainda em curso dentro de todo o sistema audiovisual e coloca as noções tradicionais de televisão à prova. No Brasil, a Rede Globo é a emissora que se movimenta de maneira mais rápida em uma estratégia comercial para manter seu prestígio e fisgar um novo tipo de público. A pesquisa observa o Globoplay, serviço de conteúdo sob demanda lançado pela Globo em 2015, e que desde então tem recebido vultuosos investimentos na criação de várias dinâmicas em conjunto com a TV aberta (e posteriormente com os canais por assinatura). O objetivo central do trabalho é compreender como estão sendo aplicadas as estratégias do Grupo Globo na busca pela consolidação de sua plataforma de streaming e a relação com TV aberta. Busca-se criar um sistema de categorização dos mecanismos utilizados pelo maior grupo de mídia do país para manter seu poder frente ao avanço de empresas multinacionais no mercado brasileiro. É proposta uma sistematização de cada etapa do processo de impulsionamento do Globoplay, dividido em fases históricas, além da compreensão dessas estratégias em diferentes eixos que se conectam, em um verdadeiro fluxo de conteúdos entre televisão e Video On Demand (VOD). Entendendo a televisão como uma forma cultural para além da tecnologia, como defendia Raymond Williams, a pesquisa explora o histórico hegemônico da Rede Globo e como ele influencia na implantação e consolidação do Globoplay em uma nova realidade onde a emissora passa a se apresentar agora como um grupo media tech.

Esta pesquisa é resultado do interesse pelos cruzamentos entre o jornalismo imersivo com vídeos 360 graus no Brasil e os valores-notícia, um dos conceitos essenciais da prática jornalística. A investigação busca o entendimento do que torna determinados acontecimentos aptos à apresentação informativa por meio de formatos inovadores, produzidos com câmeras omnidirecionais. Com o objetivo principal de identificar os critérios presentes nas produções imersivas, a dissertação percorre modos de ver e inovações ao longo dos últimos séculos, o surgimento do conceito de jornalismo imersivo (DE LA PEÑA et al, 2010) – bem como as divergências acadêmicas ascendidas desde então –, as primeiras experiências esféricas e definições que formam os pilares do campo jornalístico. Os fatores de noticiabilidade elencados por Traquina (2008) foram escolhidos para a investigação dos conteúdos “CCXP em 360º - viaje por dentro da Comic Con 2018”, do UOL, “Baía episódio 1: saneamento nada básico”, da Agência Pública, e “Estadão 360: torcida comemora vitória da seleção na Fan Fest em Moscou”, do Estadão. Ao longo do percurso metodológico de abordagem quali-quantitativa, realizado por meio de dispositivos como ferramentas estatísticas e ficha de análise, tornou-se possível concluir que as técnicas e formas podem mudar, principalmente após o crescimento dos equipamentos capazes de filmar em todas as direções, mas os jornalistas seguem atribuindo as decisões editoriais a critérios de noticiabilidade tradicionais.

Desde as primeiras décadas dos anos 2000, a autoajuda vem obtendo mais visibilidade na mídia em decorrência do seu crescimento exponencial. Por consequência, o gênero extrapolou a literatura e se fragmentou na ambiência dos sites de redes sociais. Neste contexto, figuras como coaches ganharam destaque em virtude de polêmicas como a falta de regulamentação da atividade, a prática ilegal da psicologia e a  espetacularização do discurso inspiracional nas mídias sociais digitais. Após a disseminação do novo coronavírus, optamos por direcionar a pesquisa levando em consideração o discurso de autoajuda neste cenário de crises. Assim sendo, este trabalho se propõe a analisar como coaches influentes no Instagram materializam o discurso inspiracional voltados à crise em um período de instabilidade como a pandemia. Para tanto, partimos de um arcabouço teórico constituído de estudos sobre Acontecimento discursivo (PÊCHEUX, 2006), Capitalismo afetivo (ILLOUZ, 2011), Cultura da inspiração (CASAQUI, 2017), Autoajuda (MARÍN-DÍAZ, 2015) e Neoliberalismo (DARDOT; LAVAL, 2016; SAFATLE; SILVA JUNIOR, DUNKER, 2021). A abordagem metodológica está amparada na análise de conteúdo de Bardin (1977) e nos estudos de Maingueneau (2004, 2008 e 2015) sobre cenas de enunciação. Selecionamos como objeto de estudo vídeos do Instagram produzidos pelos master coaches José Roberto Marques e Paulo Vieira. Com esta investigação, compreendemos que o discurso inspiracional dos coaches é atravessado por uma série de silenciamentos (ORLANDI, 2020), ao ocultarem a complexidade da conjuntura de crises e enaltecerem a perspectiva individual como a resolução dos problemas. Se ancoram no discurso científico visando chancelar suas soluções para a saída da crise, alternativas estas atreladas ao consumo de seus próprios serviços e condizentes com os preceitos da racionalidade neoliberal.

No topo das listas dos livros mais vendidos da década de 2010, as trilogias do bispo Edir Macedo, da Igreja Universal do Reino de Deus – IURD, e do padre Marcelo Rossi, da Renovação Carismática Católica - RCC,
chamaram atenção por superar livros de grande circulação e consumo nacional. Um duplo problema emergiu a partir da primeira imersão nas obras: como as narrativas de lideranças cristãs, tendo como horizonte o referente bíblico, podiam se constituir como instrumentos de propagação de uma racionalidade política ancorada em valores supostamente opostos aos ensinamentos cristãos? Nessa equação, como duas correntes diferentes do cristianismo, uma católica e outra pentecostal, teciam diálogos de sentido? Assim, as narrativas de si de Macedo e Rossi passaram a se constituir como objeto desta pesquisa. Nosso objetivo principal era compreender as relações de sentido entre narrativas de lideranças cristãs e a racionalidade política de nosso tempo, alicerçada sobre os pilares do neoliberalismo. Para essa análise, partimos de uma abordagem metodológica baseada na perspectiva hermenêutica de Paul Ricoeur (2006, 2010a, 2010b, 2010c, 2012, 2013, 2014), que alinha conhecimentos filosóficos, historiográficos, literários e teológicos sobre narrativas, com contribuições significativas de Walter Benjamin (1994, 2013) sobre história e narrativa, de modo que construímos um arcabouço metodológico nomeado Hermenêutica Dialética das Narrativas. Entre os principais resultados encontrados estão as profundas relações que o cristianismo, através de uma gramática particular, vem estabelecendo com a racionalidade neoliberal, sendo alguns de seus movimentos atores importantes para o enraizamento dessa que é uma forma de vida contemporânea. Com esse estudo, foi possível compreender como o catolicismo, especialmente da RCC, possui uma ética positiva em relação à razão de mundo neoliberal, especialmente através do que entendemos por práticas de caridade. Chegamos à conclusão de que, a despeito de suas diferenças, pentecostalismo e catolicismo possuem afinidades históricas que têm, cada vez mais, se consolidado em suas narrativas, contribuindo para uma forma de vida pautada na realização do self como causa em si. 

A presente investigação analisa as relações de forças (principalmente político- econômicas) que moldam o jornalismo e, assim, influenciam as condições em que jornalistas desenvolvem o trabalho-profissão. O binômio é utilizado com o intuito de desde logo pontuar a crítica à hegemônica concepção positivista, também central na investigação, que tende à identificação de tais sujeitos como ‘profissionais’, imparciais produtores de informação, abstração que contribui para invisibilizar as condições em que produzem e são (sujeitos plurais), eles/as mesmo, constituídos/as. Ao contrário, o estudo parte do pressuposto que o jornalismo, integrado no sistema de mídia, é campo estruturado e estruturante, com papel central na construção social da realidade, sendo, por isso, as possibilidades de nela intervir bastante diferenciadas em função das posições e relações que diferentes agentes, internos e externos ao campo, ocupam e estabelecem entre si. O estudo está referenciado, principalmente, na Teoria de Campos
de Pierre Bourdieu (1996, 2001, 2004), nos contributos de autores/as vinculados à Economia Política da Comunicação para refletir sobre a constituição e regulação do sistema de mídia no Brasil (BOLAÑO, 2003, 2007; JAMBEIRO, 2002, 2009; LIMA, 2001, 2004, RAMOS, 2000), e em estudos que já identificaram elevadas taxas de precariedade laboral entre jornalistas (HELOANI, 2005; FIGARO, 2011; REIMBERG, 2015; LELO, 2019; NICOLETTI, 2019;). Dentre os principais resultados, identificamos o aumento de processos de enxugamento das redações, a ele relacionado, a juvenilização daqueles espaços e a intensificação do ritmo e volume de trabalho; na generalidade, ainda que com significativas diferenças em função de empresas e cargos ocupados, jornalistas trabalham em clima de insegurança empregatícia, auferindo baixos salários e não perspetivando possibilidades de melhorias em futuro próximo; em função de relações clientelistas entre dirigentes empresariais dos veículos e agentes do campo político e econômico, a autonomia interna é relativamente baixa; quanto à ‘regulação’, ainda que a maioria tenha pouca familiaridade com o tema, posiciona-se de forma favorável a um maior controle sobre a propriedade e conteúdo de mídia, atitude que frequentemente está relacionada à percepção da atuação dos principais conglomerados de mídia no desenvolver da atual crise sociopolítica no país. 

A proposta deste trabalho é entender como a telenovela tornou-se um objeto de estudo na área da Comunicação no Brasil, traçando um panorama que vai das primeiras pesquisas até 2021, cobrindo assim os 70 anos de exibição de produto do gênero em nosso país. Com base em entrevistas semiestruturadas e revisão de literatura, identificamos as principais correntes teóricas que influenciaram os trabalhos sobre a telenovela – Estudos Culturais, Estudos Feministas, Estudos de Recepção e Estudos sobre Convergência –, bem como apontamos os principais grupos e espaços de produção desses estudos, destacando, pelo impacto de sua atuação, o Observatório Ibero- americano de Ficção Televisiva - Obitel Brasil, o Grupo de Pesquisa de Ficção Seriada da Sociedade Brasileira de Estudos Interdisciplinares da Comunicação – INTERCOM e o Grupo de Trabalho de Televisão da Associação Nacional de Programas de Pós-graduaçao em Comunicaçao – COMPÓS. Para identificar os caminhos adotados pelos pesquisadores de telenovela que circulam nesses três espaços, analisamos a sua produção científica (livros, artigos e anais), a partir de categorias temáticas propostas por Casetti e Chio (1997) para o estudo da televisão em geral, sem desconsiderar, no entanto, as particularidades do objeto de estudo e as determinações históricas do campo acadêmico brasileiro. Essa pesquisa de base bibliográfica e documental, com caráter quanti-qualitativo, nos permitiu observar quais interpretações têm sido favorecidas na análise sobre ou a partir da telenovela.

A tese investiga certa tendência do cinema contemporâneo de formar paisagens mentais por meio de referências ao cérebro dos personagens, estruturando o regime das imagens-neuro (PISTERS, 2012). Desconfiando do diagnóstico que trata esse fenômeno como um efeito do cruzamento da neurociência com o atual ecossistema de mídias digitais, a pesquisa quer saber quais outras forças tornaram possível a emergência desse modo de subjetivação somático nos filmes recentes. Auxiliados pela pesquisa de Fernando Vidal e Francisco Ortega (2019) sobre o sujeito cerebral, pelos estudo de Jonathan Crary (2012) sobre o nascimento do observador corporificado, e nos valendo do método genealógico de Michel Foucault (1998), partimos do pressuposto de que a ascensão das imagens-neuro dependeu da construção histórica da função ontológica do cérebro, em que o órgão deixou de ser visto apenas como uma parte do corpo e passou a ser reconhecido como o reduto fisiológico da identidade pessoal. Em nossa análise, mostramos como o próprio cinema foi um instrumento na conformação desse saber cerebral sobre a pessoa humana, tendo feito isso por meio da articulação de três figuras fílmicas ao longo de todo o século XX:o rosto nervoso, que encarna o pensamento dos personagens; a topografia neuroanatômica, em que paisagens mentais são formadas mediante o reconhecimento das habilidades espaciais do órgão; e o cérebro-máquina, em que a intromissão tecnológica na carne cerebral permite a externalização e reprogramação da mente. Embora o nosso quadro referencial de análise seja composto por 171 filmes, a tese destaca três obras no exame de cada uma dessas figuras: La Glace à trois face (1927, Jean Epstein), Je t’aime je t’aime (1968, Alain Resnais) e Possessor (2020, Brandon Cronenberg). Ao apontar isso, não pretendemos defender que os filmes articulam, necessariamente, uma visão redutora do sujeito, mas que o cerebralismo está sempre em jogo nas imagens-neuro.

A tese investiga de que forma o Programa Casé (1932-1951) tornou-se símbolo de uma programação radiofônica moderna e inovadora, nas décadas de 1930 e 1940. Nosso corpus foi composto por referências bibliográficas, audiovisuais, entrevistas com artistas e cantores da época, além do acervo digital da Biblioteca Nacional, das Revistas Fon-Fon, O Malho e dos jornais O Paiz e Correio da Manhã. A partir da interdisciplinaridade com a História, utilizamos o método qualititativo do estudo de caso, que dialoga com o procedimento metodológico da micro-história. A análise do nosso corpus foi constituída pelo procedimento teórico-metodológico do “paradigma indiciário”, do historiador italiano, Carlo Ginzburg. Nesta perspectiva, analisamos a metodização e a estruturação de práticas voltadas para a profissionalização dos artistas da época, implementadas pelo programa, a exemplo do pagamento de cachês e do contrato de exclusividade para todos eles. A pesquisa analisa, ainda, o destaque concedido pelo programa à produção musical nacional, até então, marginalizada por ter sido, predominantemente, produzida por negros e migrantes, no início do século XX. Além disso, abordadamos de que forma o programa foi pioneiro na implementação de técnicas radiofônicas, inspiradas em emissoras do exterior, tais como a sonoplastia, os primeiros comerciais, o radioteatro e a introdução da música de fundo. A partir da experiência de escuta da programação estrangeira, em ondas curtas, vivenciada pelo criador do programa brasileiro, Ademar Casé, investigamos o referido Programa como um cenário que aponta para uma abertura cosmopolita, inserida em uma experiência global de radiofonia, com ênfase nos atrativos radiofônicos criados nos Estados Unidos. Neste contexto, a tese, de forma inédita, revela a relação cosmopolita, de semelhanças e diferenças, entre o Programa Casé e o programa The All-Negro Hour (1929-1935), de Chicago. Ambos foram pioneiros na propositura de uma programação popular voltada para a inovação e veiculação de gêneros musicais considerados “inadequados” por parte da sociedade, tais como: o jazz e o Blues, nos Estados Unidos; o samba e as emboladas, no Brasil. Entre os resultados desta análise, destacamos que as práticas e experiências vivenciadas no Programa Casé foram atravessadas por noções de cosmopolitismo no cotidiano. Essa investigação abrangre ainda a identificação de padrões de comportamentos que trazem evidências de uma nascente cultura de fãs, também permeada pela influência estadunidense, na origem do rádio brasileiro e, especialmente, no Programa Casé. 

A presente pesquisa busca entender o papel específico da animação no contexto das artes representativas do corpo e dos gestos. Para tanto, procurou, num primeiro momento, visualizar esta relação a partir de uma perspectiva histórica pautada nos imaginários sobre o corpo e como estes reverberam no campo estético. Observou-se que a arte animada surge e se consolida no contexto da crise do paradigma antropomórfico que teve lugar entre o final do século XIX e início do século XX, e que levou o campo estético a representações do corpo que se despediam do ideal humanista e passavam a desrealizar o homem. Agamben situa no mesmo período certa obsessão pela gestualidade, que teria desencadeado tentativas de recuperação do gesto nas ciências e nas artes, busca que vislumbraria numa arte  Fundamentalmente “do gesto” um lugar para se firmar: o cinema. A animação, como uma forma particular de cinema, também é uma arte essencialmente do gesto. Mas, ao seguir os novos paradigmas de representação que se formulavam na esteira da crise do humanismo, nega o humano íntegro da representação fotográfica e se funda enquanto arte a partir de um corpo desrealizado. A pesquisa parte da tese de que, tendo o gesto como seu elemento fundamental, na animação, este projeto de desrealização se estende para a gestualidade. Assim, o estudo se propõe a investigar as formas de desmonte dos gestos que atravessam a arte animada, de suas origens até a elaboração de uma competência representacional com base em princípios de distorção. Ao encerrar as fronteiras dos desvios numa cerca de possibilidades limitadas pelo cânone formulado para a arte animada, a perda do gesto continuou (e continua) sendo perseguida no campo do experimental. Assim, a pesquisa se concentra num corpus representativo da animação experimental, e opera sobre este um exercício analítico que busca observar a desconfiguração gestual a partir do alicerce da técnica animada: a relação entre frames e entre poses. Os resultados são discutidos sob a luz da noção de informe, concebida por Georges Bataille ao se contrapor a aspectos chaves do paradigma humanista nas primeiras décadas do século XX, momento em que a animação se funda enquanto arte. Observa-se na noção de informe um conceito chave para discutir os atributos deste gesto incerto, que não se coloca em função de classificar os moldes anatômicos ou culturais que operam sobre os corpos. 

A presente pesquisa se propõe a investigar o papel do efeito sonoro no cinema ficcional, partindo da hipótese de que esse elemento vem passando por uma mudança de status no âmbito da linguagem cinematográfica, assumindo funções determinantes na construção narrativo-estética dos filmes, para além de seu papel convencional de mero acessório figurativo da imagem, sedimentado pela narrativa clássica. Postulamos que este quadro de valorização do efeito sonoro seria impulsionado pela conjunção de fatores tecnológicos e estéticos, sobretudo: 1. o desenvolvimento da estereofonia analógica, seguida pelo advento do som digital, o qual, desde o início dos anos 90, vem ampliando significativamente o campo de experimentação criativa na concepção das trilhas de áudio dos filmes; 2. a própria dinamização da linguagem fílmica, já que, nesse mesmo recorte temporal, é notória a eclosão de distintos ciclos produtivos e cinematografias autorais que buscam subverter os códigos da narrativa clássica, inclusive no âmbito sonoro. Nosso objetivo principal, portanto, é traçar uma trajetória dos efeitos sonoros no cinema de ficção, apresentando um panorama consistente que nos permita avançar na investigação do lugar ocupado por eles nesse âmbito artístico. Adotamos a análise fílmica como norte metodológico, a qual será aplicada em uma vasta gama de filmes, de distintos períodos e diversas cinematografias, a fim de que possamos assegurar a perspectiva central da pesquisa de que o ganho de relevância  estética-narrativa do efeito sonoro não se trata de um fenômeno isolado, mas sim de uma tendência do cinema ficcional contemporâneo.

Assumindo como pressuposto as aproximações existentes entre o Cinema Documentário e o Jornalismo, este trabalho busca mostrar como o programa Profissão Repórter, exibido pela TV Globo, organizase nos moldes de um dispositivo de representação e, como tal, obedece a condições predeterminadas de produção e a certas “regras” de execução. O dispositivo de representação jornalística que identificamos neste programa televisivo é caracterizado pela autorreferencialidade, pela centralidade das personagens na condução narrativa e pela construção de um repórter-mentor. Para chegarmos a tais categorias, construímos um percurso argumentativo apoiado em estudos do Cinema, do Jornalismo e de Linguagem. Realizamos uma observação exploratória, horizontal, fazendo uma escolha arbitrária, mas não aleatória de 90 edições, entre 2008 e 2019, baseada na própria hipótese que norteou a pesquisa, a saber: a possibilidade de construção de um dispositivo em programas jornalísticos. Esperamos, a partir da verificação dessa proposição no Profissão Repórter, contribuir para estudiosos/as e produtores/as do Jornalismo e do Cinema Documentário; afinal, a matéria-prima de ambos é o “real”.

Em meio à pandemia de Covid-19, a crescente popularidade do TikTok permitiu que boa parte de seu conteúdo extravasasse os limites da plataforma. Na ocasião, o mundo se deparou com jovens meninas, em sua maioria brancas, dançando em frente às câmeras. Os cenários nos quais as garotas gravavam suas performances, quase sempre, atestavam a condição socioeconômica privilegiada que elas comungam. Todas as características que mencionamos, em conjunto, integram a identidade tween, uma feminilidade demarcada entre o fim da infância e o início da adolescência e intimamente ligada à cultura do consumo. Esse modelo ideal permeia a mídia contemporânea e interpela jovens garotas a transportarem suas escolhas identitárias para o âmbito do consumo. Dessa forma, no empuxo da maior participação infanto-juvenil na internet, inclusive como produtores de conteúdo, esta pesquisa objetiva compreender de que maneiras o consumo é acionado por influenciadoras digitais jovens no TikTok, para demarcar suas identidades tweens. Para alcançar tal objetivo, uma Análise de Imagens em Movimento (ROSE, 2015) foi realizada, trazendo resultados mais amplos. Identificamos o que parece ser uma sinalização à transversalidade e à multifuncionalidade do consumo, já que bens e práticas associadas a essa cultura perpassam diversos tipos de conteúdo publicado pelas garotas, suplantando seus esforços para expressar diversos atributos que compõem o modelo arquetípico tween.

As rotinas de trabalho sofreram alterações no contexto da pandemia da covid-19, como a adoção do home office e a adaptação do ambiente doméstico para abrigar demandas do campo profissional. O jornalismo também foi impactado, uma vez que ele é uma prática social, marcado por um processo de reinvenção permanente (ADGHIRNI, 2012), e foi atravessado por mudanças na forma de apurar a notícia e contactar as fontes, atividades
essas realizadas, em muitas vezes, com equipamentos pessoais e adaptadas às possibilidades existentes no ambiente doméstico. Com isso, as fronteiras entre o público e o privado ficaram borradas, potencializando a acumulação de trabalho produtivo e reprodutivo pelas mulheres. Nosso problema de pesquisa buscou compreender quais são os impactos gerados pela pandemia sobre a rotina produtiva das jornalistas que atuam em veículos de comunicação localizados no Distrito Federal, em Brasília, na editoria ‘Política’, e como eles interferem na produção da notícia. Os objetivos específicos estiveram centrados em mostrar quais são as mudanças nessa rotina durante a pandemia; descrever as implicações de ser mulher no mercado profissional do jornalismo; definir quais são os impactos das mudanças laborais na rotina produtiva das mulheres; descrever como os impactos nas condições de trabalho das mulheres jornalistas afetam a produção da notícia e entender qual é a perspectiva dessas mulheres sobre o momento que atravessam. Para isso, realizamos uma revisão bibliográfica; entrevistas abertas, semiestruturadas, com jornalistas de diferentes veículos de comunicação e faixas etárias; e uma análise de conteúdo qualitativa dos registros orais dessas jornalistas. Utilizamos como aporte teórico os estudos sobre a teoria do jornalismo (VIZEU, 2014; TUCHMAN, 1999; ROCHA, 2018; BERGAMO; MICK; LIMA, 2012; TRAVANCAS; 1993) e da Economia Política da Comunicação (MOSCO, 2010; VELOSO; 2013). Em complemento a essas perspectivas, recorremos à Habermas (1984) e Silvia Federici (2017) para discorrermos acerca da mudança estrutural da esfera pública, apoiando-nos, ainda, nos estudos sobre violência simbólica (BOURDIEU, 2002) e de gênero (SAFFIOTI, 2004; HIRATA, 2009 ). Os resultados deste estudo apontam para a existência de novos critérios de noticiabilidade durante a pandemia e a sobrecarga das jornalistas, com impactos para a construção social da realidade por meio das notícias.

A partir da década de 1980, com a apropriação das teorias feministas do cinema pelas pesquisadoras e realizadoras latino-americanas e do conceito “cinema latino-americano” impulsionado pelos movimentos dos Novos Cinemas, surgiram críticas em relação à ausência de nomes femininos na História do Cinema da América Latina e a necessidade de mapeamento e reconhecimento das realizadoras latino-americanas. Nesta dissertação, através da investigação em jornais, filmografias, críticas e trabalhos acadêmicos buscamos compreender a trajetória percorrida pela obra de duas realizadoras para se incluírem na história. Matilde Landeta, mexicana, foi continuísta, assistente de direção e diretora no fim dos anos 1940 e só teve sua trajetória reconhecida no ano de 1975, Ano Internacional da Mulher. E Sara Gómez, que realizou 17 documentários e 1 longa-metragem de ficção, nos anos 1960 e 1970 em Cuba, e só teve sua obra revisada, a partir dos anos 1980. Este trabalho investiga os caminhos percorridos pelas diretoras e suas obras, ao confrontar os dados recolhidos sobre suas trajetórias e os trabalhos acadêmicos que as incluem ou excluem da História do Cinema.

Este trabalho visa identificar uma “medialidade” e posterior gags numa leitura do gesto (AGAMBÉN, 2015) curatorial da segunda edição do Festival Internacional de Cinema de Realizadoras (FINCAR), que são traduzidas aqui como a identificação de uma metodologia que se exibe (medialidade) e de características singulares (gags) que denotam algo novo que surge dentro de uma tradição curatorial de cinema. Introduz-se a curadoria de cinema a partir do campo de estudos de festivais, como uma das possibilidades de leitura dos festivais cinematográficos como um fenômeno, seguindo por localizar o episódio local que aconteceu na cidade do Recife, o “Que porra é cinema de mulher?”, como um exemplo de luta política das mulheres do audiovisual recifense contra a estrutura hegemônica patriarcal e machista. Seguindo para a criação do FINCAR e localizando a segunda edição que ocorreu no ano de 2018 a ser analisada, de forma a identificar que um novo modus operandi em curadoria de cinema se apresentava.