Através da presente dissertação, proponho-me a pesquisar a partir do ciclo investigativo A
Beleza da Lagoa É Sempre Alguém, realizado em 2022 pela Propágulo, instituição independente de
pesquisa e difusão de arte em Pernambuco, na qual me encontro enquanto curador. Nesse percurso,
marcado por um constante processo de aprendizado, reflito acerca da interação entre o produto
exposição de arte, a profissão de curador, a atividade da curadoria e o político inscrito nesses tópicos
através das lentes advindas do curatorial, um campo que vai para além da curadoria por não estar
exclusivamente focado na concepção de exposições de arte como evento encenado, e que explora o
intencional e o não intencional naquilo que se propõe a realizar. Ao buscar analisar a infraestrutura do
curatorial implicado em A Beleza da Lagoa É Sempre Alguém, levo em conta o lugar específico por mim
ocupado ao estar, enquanto curador, construindo dialogicamente esse processo através da interação com
uma coletividade de artistas, trabalhos de arte, educadores, públicos, trabalhadores da cultura e produtos
culturais.

Esta dissertação de mestrado promove um estudo autocrítico de natureza prático-
teórica sobre relações entre visualidades, sonoridades, letras e palavras na poesia

híbrida e seus suportes. Amplia a leitura, análise e relatos do processo criativo
autoral e dos conceitos, pesquisas e referências no campo das artes visuais
contemporâneas, inter-relacionando histórico e atualidade. A condução
visual/sonora desse processo foi descrita, produzida ou projetada a partir de meios
digitais e artesanais. A pesquisa se insere na área de processos de criação e
compõe obras posicionadas na fronteira entre linguagens, tendo a
transdisciplinaridade como contexto artístico. Conceitua através de obras, autores
e relatos de outros poetartistas que trazem a poesia a esmaecer fronteiras entre
linguagens. O escopo teórico aborda a metodologia em Crítica Genética, de Cecília
Salles, escritos de/e sobre artistas e aspectos da semiótica de Charles Pierce, pela
perspectiva de Lúcia Santaella, referentes ao uso das múltiplas linguagens em
cruzamento. O objeto de estudo está centrado na apresentação poética dos modos
visuais da escrita e outras formas de expor o verbal, o sonoro e o imaginário. A
pesquisa analisa e expõe a poesia em estado híbrido na intenção de manifestar
poeticidades na audição, leitura e visão simultaneamente.

A arte contemporânea brasileira tem se posicionado de forma contundente nos debates
sobre gênero e raça na atualidade. Neste cenário, Rosana Paulino, artista paulistana e mulher negra,
apresenta reflexões e posicionamentos marcantes acerca de questões sociais como discriminação e
racismo, centrando sua poética nas vivências das mulheres negras brasileiras e nos vários tipos de
violência sofridos por esta população. Considerando a obra de Paulino, esta proposta de dissertação
tem como objetivo compreender e analisar a representação de corpos femininos negros (re)criados
pela artista, tomando como base referências da história e teoria da arte, com foco na arte
contemporânea, bem como perspectivas feministas críticas e decoloniais que orientam o debate sobre
questões raciais e de gênero na arte. Nesta direção, busca compreender como corpo da mulher negra
na obra da artista ganha significados por meio de uma metodologia particular que emprega a costura
das memórias e articula poeticamente materialidades têxteis com fotografias, comunicando histórias
e vivências de existir que atravessam e configuram o ser/viver como mulher negra no Brasil e no
mundo. As séries Mulheres Jatobás (2019), Mulher Búfala(2019) e Mulheres Mangues(2023)
selecionadas para a pesquisa, são representativas das questões centrais que Paulino desenvolve, se
destacando pela narrativa contra-oficial da colonização portuguesa no Brasil que apresenta e pela
experiência do corpo feminino negro que (re)elabora. Nessas obras, a artista articula reflexões
originais dos anseios que contornam as relações entre produções artísticas e expectativas sociais de
gênero, apresentando uma crítica às noções tradicionais de feminilidade, amplamente disseminadas
em nossa cultura.

A presente dissertação foi desenvolvida no Programa Associado de Pós-Graduação em
Artes Visuais UFPE/UFPB - Mestrado em Artes Visuais, na linha de pesquisa Artes
Visuais e seus processos educacionais, culturais e criativos, tem como objetivo principal
compreender o ensino da arte para pessoas com deficiência visual em escolas da rede
pública estadual da cidade do Recife. Construímos um Estado da Arte que foi um
elemento necessário para a pesquisa e contribuiu para a constituição do campo teórico.
Recorremos à BDTD, com o recorte temporal de 2010 a 2020. Com o recorte temporal
de 2015 a 2020, recorremos aos Anais de eventos - ANPED e CONFAEB - além de
Periódicos, como a Revista Gearte, a Revista Especial e aos estudos realizados no
PPGAV UFPE/UFPB. Para além dos estudos encontrados, também adentramos em
debates importantes para pensar a deficiência visual, abrangendo uma visão geral de
educação inclusiva e sua legislação e o ensino das Artes Visuais numa perspectiva
inclusiva, para tanto, dialogamos com autores(as) como Sassaki (1997, 1998), Vygotsky
(1995, 1997) e Mantoan (2003), também Barbosa (1999, 2004), Paraná (2006) e Rizzi.
Quanto à metodologia, esta investigação foi desenvolvida com base na perspectiva da
pesquisa qualitativa e no processo de coleta atendendo aos objetivos delineados,
utilizamos a consulta ao Projeto Político Pedagógico, questionários e entrevistas semi-
estruturadas direcionados aos docentes de Artes Visuais. Para a escolha das instituições
e dos(as) docentes participantes, recorremos ao Site da Secretaria de Educação e
Esportes do Estado de Pernambuco, mais especificamente, à  Gerência de Políticas em
Educação Inclusiva, Direitos Humanos e Cidadania, a partir da Unidade Interdisciplinar
de Apoio Psicopedagógico, onde estão citadas as Gerências Regionais de Ensino e as
respectivas escolas públicas do Recife que foram campo de pesquisa. No que tange os
dados coletados, foram organizados e analisados com base na Análise de Conteúdo
proposta por Bardin (2011). Os achados sinalizam aspectos relacionados às condições
físicas, estruturais e materiais para trabalhar com as Artes Visuais com os estudantes
com deficiência visual nas três escolas. Inferimos que existem lacunas no âmbito de
formação inicial e continuada para os docentes de Artes Visuais que se unem às
condições inadequadas e precárias para efetiva realização do trabalho e que
comprometem a inclusão dos estudantes. Além disso, defendemos que os estudantes
com deficiência visual, assim como os demais, precisam de aulas de Artes Visuais
pautadas em uma concepção contemporânea, de arte como conhecimento, com
vivências artísticas, leituras de imagens e contextualização, adaptadas para a realidade
de cada um, numa perspectiva inclusiva e isso não vem acontecendo nas escolas
analisadas.

A presente pesquisa teve como objetivo compreender o ensino das Artes Visuais
nos anos finais do Ensino Fundamental, em escolas da rede municipal do Ipojuca. A

pesquisa foi desenvolvida no Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da UFPE-
UFPB - PPGAV, na linha de pesquisa Artes Visuais e seus processos educacionais,

culturais e criativos. Trata-se de uma pesquisa qualitativa de acordo com Gil (2002), Godoy
(1995) e Demo (1995) que se vale de questionários, entrevistas semi-estruturadas e da
análise documental do Currículo de Referência do Ipojuca. A escolha do campo e dos
sujeitos deu-se por se tratarem de profissionais que atuam no campo arte, sendo dois
docentes do campo das Artes Visuais nos anos finais do Ensino Fundamental e dois
técnicos/analistas responsáveis pelo acompanhamento da equipe de Artes na rede
municipal do Ipojuca. Na incursão teórica,trazemos o olhar para o ensino das artes visuais
a partir das Teorias do Currículo Silva (1996,1999 e 2009), Silva, Soares e Pinto (2017)
Moreira (1990) e no estudo do debate legal, com ênfase nas leis 4024/61, Lei 5.692/71, Lei
9.394/96 e nos documentos que norteiam o campo educacional - PCNs, BNCC -, tendo
como foco o olhar para o campo da arte. As análises nos levou a concluir, que a perspectiva
de ensino da arte no Currículo de Referência do Ipojuca alinha-se com os pressupostos
contemporâneos desse campo, no entanto, a construção do referido documento se
apresentou de forma aligeirada, sem a escuta efetiva dos docentes, o que acabou por não
permitir uma construção democrática de tal documento. Ainda percebemos que os/as
docentes, mesmo se alinhando com o ensino de arte enquanto conhecimento, muitas
vezes, pelas condições de trabalho, pela visão deturpada da polivalência que ainda persiste
em alguns contextos e pelas pressões sofridas, muitas vezes acabam incorrendo em
práticas tradicionais e modernistas. Também concluímos que há na rede municipal do
Ipojuca um problema nevrálgico, professores de outros componentes ocupando o espaço
do/da professor/a de Artes nas escolas e assumindo esse componente curricular, já que
não há, na rede municipal do Ipojuca, corpo docente com formação nesse campo suficiente
para o número de escolas. Desse modo, concluímos que ainda há muito a ser olhado e
pesquisado neste contexto e que o ensino da arte ainda precisa ser considerado enquanto
elemento preponderante da formação, não estando apenas inserido nos documentos, mas,
sobretudo, de modo a reverberar em ações e dar possibilidades das práticas se
aproximarem da concepção contemporânea de ensino da arte defendida no próprio
documento curricular da rede municipal do Ipojuca.

O intuito dessa pesquisa é o de investigar de que maneira o frevo se perpetuou
até os dias de hoje dentro da família de Edgard Moraes, que foi um dos maiores
compositores de frevo de bloco do Recife. Por meio da análise de fotografias de épocas
distintas, de canções, de entrevistas e de artefatos pertencentes ao acervo de Edgard e
da família Moraes, a fim de refletir sobre a tradição, a identidade, a memória, o
pertencimento, o passado e o presente, tendo em perspectiva a função das imagens nas
Artes Visuais e ao aporte sonoro na forma de uma peça audiovisual ( live) durante a
pandemia de Covid-19. Como produto artístico da dissertação, construímos uma narrativa
principalmente visual em formato de live redirecionando meu projeto original no PPGAV
UFPB/UFPE. Como abordagem metodológica, utilizamos a pesquisa explicativa,
bibliográfica, análise documental de conteúdo e exploratória nos campos conceituais: a
imagem com especial atenção à fotografia, memória, identidade, tradição, e, por fim, os
personagens da pesquisa - a família Moraes, que se encontra intrinsecamente ligada ao
carnaval do Recife pela raiz do frevo. As motivações da construção dessa pesquisa se
basearam em documentação da história e do legado de Edgard Moraes, meu bisavô, que
reverberaram para a família, envolvida com o frevo e o carnaval. No que diz respeito ao
campo acadêmico, darei continuei as pesquisas iniciadas em meu TCC, intitulado
“Valores do Passado: um olhar fotográfico do Coral Edgard Moraes no Carnaval de
Pernambuco”, na UFPE em considerando a iimportância social e relevância para a
divulgação da trajetória do frevo com Edgard Moraes e sua família, pertencentes à história
artística e cultural de Pernambuco.

Tendo em vista que a pandemia mudou nossos hábitos influenciando em todos
os aspectos do nosso cotidiano principalmente na educação esta pesquisa investigou a
formação do professor de Artes Visuais da Universidade Federal de Pernambuco, a fim de
compreender as (re)invenções e práticas vivenciadas na formação inicial no período da
pandemia. Para tanto, foi necessário identificar os componentes curriculares, obrigatórios
e eletivos, oferecidos remotamente na Licenciatura em Artes Visuais no contexto
pandêmico (2020 - 2021) e compreender o que coordenação e docentes atuantes nos
componentes curriculares elencados, experienciaram no ensino remoto, identificando as
transformações, (re)invenções e (re)organizações das práticas vivenciadas remotamente
na Licenciatura em Artes Visuais a partir da fala dos docentes, de observações e dos
materiais por eles disponibilizados. Sendo assim, realizou-se uma pesquisa através do
procedimento bibliográfico, documental e de pesquisa de campo com caráter exploratório
e descritivo com abordagem qualitativa. Diante disso, constatamos que a continuação das
aulas por meio do ensino remoto foi acatada após várias reuniões com toda a comunidade
acadêmica tendo-se criado um calendário suplementar facultativo, 2020.3 gerando para
coordenação e para os docentes da licenciatura em Artes Visuais dificuldades iniciais com
a oferta de componentes curriculares práticos, mas que foram contornados e os docentes
conseguiram se adaptar ao momento atuando com autonomia.

Esta pesquisa tem como objetivo fazer uma análise da obra do artista plástico Francisco Brennand
(1927-2019), observando se há alguma influência em sua produção artística, seja de ordem
técnica ou de motivos, dos pintores Paul Gauguin (1848-1903), Paul Cézanne (1839-1906),
Vincent Van Gogh (1853-1890) e Balthus (1908-2001).
Por meio do método da revisão bibliográfica, foi feito um levantamento da literatura pertinente,
tendo como texto cerne o Diário de Francisco Brennand publicado em 2016, os Cadernos Verdes
(2019), da Dr. Ruth Vasconcelos e o catálogo O Universo de Francisco Brennand (2013), escrito
por Alexei Bueno.
Esta pesquisa está dividida em duas partes; a primeira, uma biografia onde há um enquadramento
de Francisco Brennand no panorama das artes plásticas em um contexto nacional e internacional;
seguindo pela parte dois, onde é realizada um enquadramento histórico e artístico dos mestres
europeus além de uma comparação entre as obras dos artistas. Após o desenvolvimento é
constatado que há sim elementos que indiquem a hipótese levantada por esta pesquisa, que
Francisco Brennand incorpora elementos trazidos por Gauguin, Cézanne, Van Gogh e Balthus em
suas obras.

Esta pesquisa em arte busca lançar um olhar crítico e investigativo sobre minha produção
artística, utilizando como fio condutor os projetos colaborativos de Arte Correio desenvolvidos
durante a década de 2010. Intenciono evidenciar o caráter transdisciplinar da Arte Correio,
abordando as dinâmicas utilizadas na arte em rede, os fluxos rizomáticos que emergem no
processo de formação e expansão desses circuitos alternativos e a consequente formação de
acervos. Mesmo após mais de cinquenta anos desde o início do movimento, as redes de Arte
Correio seguem ativas e se reinventando, se desdobrando em novas leituras e possibilidades.
Com a intenção de analisar os caminhos e os processos desta prática artística, me inseri e
participo dessas redes, enviando e recebendo obras de Arte Correio e propondo projetos
colaborativos e convocatórias para formação de um arquivo de artista nos dias atuais de modo
a revisitar as práticas artísticas adotadas pelos artistas postais pioneiros, examinando as
ressonâncias dessas práticas e suas ramificações atuais. Por meio do método cartográfico,
busco verificar o hibridismo entre a Arte e a Comunicação presentes na Arte Correio,
apresentando minhas propostas artísticas ao passo que contextualizo esta expressão artística
socio-historicamente, evidenciando ações dos artistas postais pioneiros das décadas de 1960
e 1970, e pontuo proposições nacionais e regionais, estreitando e delimitando a temática.
Além de apresentar meus próprios projetos artísticos e convocatórias, destaco outros artistas
e projetos contemporâneos que incorporam, se apropriam e reinventam a Arte Correio no
século XXI. Por meio dessa pesquisa, busco ampliar o entendimento sobre a Arte Correio
como uma forma de expressão artística contemporânea, avaliando sua relevância e
ressignificação no contexto atual, além de contribuir para a compreensão das práticas
artísticas em rede como um fenômeno transdisciplinar em constante transformação,
apresentando novas perspectivas nesse campo artístico. Para materializar esta pesquisa,
além do desarquivamento do meu acervo particular, desenvolvi um trabalho artístico utilizando
os preceitos da Arte Correio.

Os museus se constituem como espaços de conservação, estudos, divulgação e fruição do patrimônio cultural e artístico produzido pela sociedade. São instituições sem fins lucrativos que, dentre inúmeras possibilidades, colocam o público em contato com as mais diversas categorias de patrimônio que, por sua vez, promovem a compreensão da vida social e cultural. A função educativa dos museus faz parte das reflexões de reconhecidas instituições como Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura (UNESCO) e o Conselho Internacional de Museus (ICOM) desde a década de 1950. Cada vez mais, está em evidência o contributo e a relação dos museus, como instituições não-formais, com a escola, instituição de educação formal por excelência. Tendo isso em conta, esta pesquisa articula-se no campo de ensino das Artes Visuais, com ênfase na arte pré-histórica, e no campo dos museus, na perspectiva do diálogo entre instituição formal e não-formal. Assim, a pesquisa em relato tem como objetivo analisar o alcance das ações de mediação do Museu do Homem Americano, especificamente, quanto à arte pré-histórica, na sua relação com escolas públicas de São Raimundo Nonato no Piauí, Brasil. Metodologicamente, a pesquisa é de natureza bibliográfica, documental e descritiva, que articula as abordagens quantitativa e qualitativa de modo complementar. Tem como campo as escolas da rede pública da cidade de São Raimundo Nonato, no Piauí, estabelecidas como lóci da pesquisa a partir do Índice de Desenvolvimento da Educação Básica (IDEB), realizado pelo Instituto Nacional de Estudos e Pesquisas Educacionais Anísio Teixeira (INEP), que se configura como indicador de qualidade do ensino, perfazendo, portanto, quatro escolas. A pesquisa tem como sujeitos os professores de arte das quatro escolas. Como instrumento de coleta de dados, utiliza-se questionário, elaborado via Google Forms, composto por questões abertas e fechadas, de modo a obter dados sobre o perfil dos sujeitos, visão destes quanto ao contributo do Museu do Homem Americano como aliado no ensino da arte pré-histórica face ao conteúdo curricular em sala de aula. Para a análise dos dados, utiliza estatística básica descritiva e análise de conteúdo pelo estabelecimento de categorias temáticas interpretadas em confronto com a revisão da literatura que aporta a pesquisa. Como resultados, constatamos que o museu se constitui como espaço essencial para o estímulo ao conhecimento a respeito da arte pré-histórica da região da Serra da Capivara, propiciando uma mediação entre patrimônio cultural e público. Concluimos que esse estabelece uma relação proficua com as escolas da região, auxiliando na prática de professoras de Arte.

Este texto situa-se no campo do ensino das artes visuais para compreender as identidades das/os professoras/es de artes visuais de três escolas integrais técnicas da Gerência Regional de Educação (GRE) Recife Norte. Dentro desta delimitação buscamos conhecer as/os sujeitas/os docentes de artes visuais no que tange a sua formação e atuação; compreender quais elementos compõe a prática docente destes profissionais a partir dos saberes sinalizados e que dão corpo à construção das identidades docentes, e compreender quais as experiências vividas que contribuíram para o “tornar-se” docente. A pesquisa seguiu os preceitos da pesquisa fenomenológica de Hurssel (Dartigues, 2003; Petrelli, 2008), caracterizando-se pelo pertencimento do pesquisador ao universo de pesquisa. Foi realizado um levantamento bibliográfico que além de fontes impressas e legislações, se estendeu a portais de hospedagem virtuais, com destaque aos repositórios de programas de pós-graduação, anais de eventos e BDTD. O embasamento teórico contou com autores como Hall (2006), Bauman (2004), Castells (2018), Dubar (2005) e Tardif (2010), para tratar sobre a formação das identidades e saberes docentes, enquanto Moacyr (1936, 1939a, 1939b, 1940), Romanelli (1985), Saviani (1999), Cunha e Góes (2002), entre outros, nos situaram quanto o histórico do ensino de arte no Brasil. Contribuíram com questões específicas da Educação integral em Pernambuco Magalhães (2008), Henry Jr (2011), Dutra (2013, 2019), entre outros, e os/as docentes que se dispuseram a participar deste trabalho. Portanto esta dissertação auxilia na compreensão da criação das identidades docentes em artes visuais, aprofundando as reflexões sobre como o conjunto das experiências acumuladas ao longo da trajetória pessoal e profissional que são relevantes na formação contínua do/da docente.

Nessa investigação busco entender como narrativas (auto)biográficas, construídas a partir da narração e reflexão de/sobre memórias e experiências, podem contribuir para a criação do conceito de práticas artísticas “Trava Transcorpocinética”, através da representação das mudanças corporais e comportamentais feitas por mulheres trans e de travestis, antes e após a transição. Esse termo nasce da junção dos seguintes elementos: imagens que representam transformações feitas no meu corpo e comportamentos, narrativas (auto)biográficas divididas em três temporalidades biográficas (corpo-instante compulsório, corpo-instante em libertação e corpo-instante “libertado”) e, finalmente, práticas artísticas elaboradas a partir de reflexões sobre os acontecimentos narrados em cada um desses intervalos. Sua finalidade é relacionar imagens e narrativas, tanto das mudanças de comportamento quanto das intervenções cirúrgicas, estéticas ou endocrinológicas, com o meu trabalho na Arte Contemporânea, utilizando e tensionando, para isso, referenciais artísticos e conceituais relacionados à Arte Contemporânea, a Cronofotografia, a Arte Cinética e a Esteriometria. Ao longo da investigação, narro e contextualizo as memórias oriundas da infância, adolescência e início da juventude, identificando as frustrações e as dificuldades que enfrentei devido ao gênero compulsório ao qual fui designada. Nessa temporalidade, estabeleci as ligações basilares para criar o conceito de “práticas artísticas corpo-estáticas compulsórias”. Em seguida descrevi e problematizei a transição de gênero e as mudanças comportamentais e corporais, realizadas nas esferas estética, endocrinológica e cirúrgica. Desta vez, relacionei as lembranças da juventude com estudos de gênero e narrativas (auto)biográficas nas artes visuais, para criar as relações necessárias à elaboração do conceito de “práticas artísticas corpo-cinéticas em libertação”. Dando continuidade, relato como as inquietações em torno do padrão de feminilidade exigido das mulheres trans e das travestis, ocorridas ao longo da maturidade, me influenciaram a problematizar o modo como performo a identidade trans. Com isso, relaciono a última temporalidade biográfica com a criação do conceito de “práticas artísticas corpo-cinéticas “libertadas””. Nesses processos, utilizei a metodologia narrativa (auto)biográfica, tendo como procedimentos investigativos o acesso às minhas memórias por meio de diversos dispositivos. Após refletir sobre as memórias e  experiências narradas, confeccionei as práticas artísticas corpo-estáticas e as corpo-cinéticas. Ao examiná-las, considerando suas ligações com as narrativas (auto)biográficas, determinei que a passagem das silhuetas e dos comportamentos de um corpo-instante para outro, relacionadas e representadas por meio de uma performance, fundamentam o conceito das práticas artísticas Trava Transcorpocinéticas. Por fim, através da junção das palavras “trava”, “trans”, “corpo” e “cinética”, defino-o como uma ação performática na qual interajo com uma escultura cinética a fim de representar a movimentação efetuada pelo meu corpo e comportamentos ao atravessar duas experiências ocorridas e narradas nas temporalidades biográficas corpo-instantes compulsório, em libertação ou “libertado”.

A investigação “Alinhavar: poéticas têxteis e narrativas docentes sobre a formação em artes visuais”, foi desenvolvida no Programa Associado de Pós-Graduação em Artes Visuais UFPE/UFPB, versou sobre um processo de criação em arte têxtil que rememora e problematiza narrativas autobiográficas sobre a formação da docência em artes visuais. Deste modo, sob o aporte da abordagem A/r/tográfica alinhavei as relações entre pesquisa autobiográfica, práticas contemporâneas em arte têxtil e a formação docente, perguntando quais sentidos sobre a docência artista posso construir em relação às narrativas de professoras de artes visuais em processo de formação inicial? Tive como objetivos específicos: 1) Desenvolver o processo poético têxtil Alinhavar por meio de relações artístico- pedagógicas com cinco estudantes do curso de Artes Visuais - Licenciatura; 2) Refletir sobre as possíveis aproximações das narrativas autobiográficas na formação docente e; 3) Compreender a partir das partilhas poéticas e narrativas os caminhos de uma docência artista. Perpassei por reflexões teóricas sobre Processos de Criação (OSTROWER, 2014); Pesquisa Narrativa (MARTINS;TOURINHO;SOUZA, 2017) e Saber-Fazer Docente (TARDIF,2002) para embasar as narrativas compartilhadas na poética têxtil com as cinco estudantes em formação. Tive por caminhos interpretativos perceber a construção de sentidos da docência artista baseada na narratividade e nos processos de criação demonstrando como os processos de formação docente podem ser uma artesania de saberes.

Esta pesquisa tem como objetivo compreender os processos criativos e a criatividade
das crianças de 5 a 10 anos, da Ong Movimento Pró-Criança, onde atuo como
arte/educadora. A instituição atende crianças e adolescentes da região metropolitana
do Recife, em Pernambuco, em sua maioria, em condições de vulnerabilidade social.
O ensino não-formal, característico das Ongs, possui particularidades, que giram em
torno, principalmente, de um atendimento mais humanizado, que busca a formação
social e integral do indivíduo. Nesse sentido, um olhar mais atento para a criatividade
e para o processo criativo das crianças tornou-se possível não só pelas características
educacionais da instituição, mas também pelos seus objetivos, o de uma educação
mais próxima das crianças, que oportunize o conhecimento crítico e incentive a
transformação da realidade em que vivem. Após alguns episódios vivenciados nas
aulas de artes visuais, alguns questionamentos me surgiram: como são os processos
criativos e a criatividade dessas crianças em vulnerabilidade social? Qual o papel das
artes visuais nesses processos? Como o/a professor/a deve agir para afetá-las?
Buscando respostas a esses questionamentos, a pesquisa foi iniciada em 2020 e teve
de ser reformulada por conta da pandemia da covid-19, sendo a maior parte dos dados
coletados virtualmente, em aulas on-line. Os materiais coletados, a produção das
crianças, foram interpretados à luz da Fenomenologia da Imaginação e da Mitocrítica
de Durand (2012). Endossam também o meu pensamento Barbosa (1991; 1998;
2008), Dewey (2010), Ostrower (2014), Vigotski (2014), Lowenfeld e Brittain (1997) e
outros autores e autoras dos campos da arte/educação, ensino não-formal,
criatividade e psicologia do desenho infantil. Na análise dos dados, notamos que uma
aproximação e um olhar mais sensíveis para o processo criativo das crianças,
contribuíram com sua aprendizagem das artes visuais. Quando as crianças se
depararam com aulas mais abertas, que despertavam a sua criatividade, passaram a
sentir mais confiança e autonomia no seu fazer artístico. Em linhas gerais, este
trabalho apresenta todo o percurso reflexivo e prático desenvolvido nas aulas de artes
visuais, entre 2020 e 2021.

Entre linhas e narrativas: mulheres que tecem memórias, do Colégio Stella Maris para a vida

Esta dissertação tem por objetivo analisar a proposta das Artes Visuais para
o Ensino Fundamental que se delineou ao longo da elaboração da Base Nacional
Comum Curricular (BNCC), entre os anos de 2015 e 2017, desde a versão preliminar
até a homologada. Para alcançar este objetivo geral tem por objetivos específicos:
contextualizar a produção do documento BNCC; contrastar as versões do
documento; identificar as continuidades e descontinuidades presentes entre as
versões que revelem projetos educacionais em disputa, tanto pelo controle de
objetivos como percursos formativos para as Artes Visuais. A análise de conteúdo foi
utilizada como procedimento de pesquisa para descrever e interpretar conteúdos
postos na questão problema que orientou a construção deste estudo. Autores como
Alves (2010), Apple (2011), Ball (2014), Dondis (2007), Mainardes (2018) e Saviani
(2008), dentre outros fundamentaram a interpretação da política curricular que se
expressa na BNCC. O estudo identificou que ao longo do processo de elaboração do
documento, diferentes forças sociais disputaram espaço para garantir seus projetos
educacionais. A elaboração da versão preliminar e segunda versão se orientaram
pelos princípios expressos nas Diretrizes Curriculares Nacionais, sinalizando a
necessidade de entendimentos que assegurassem a diversidade na construção da
educação pública. Após o golpe jurídico-midiático-parlamentar de 2016 a elaboração
do documento foi deslocada para outras instâncias, com a participação de grupos e
atores cuja legitimidade para deliberar sobre o processo não havia sido debatida
com a sociedade brasileira. Em relação às Artes Visuais, a proposta em torno de
direitos e objetivos de aprendizagem e desenvolvimento, da versão preliminar e
segunda versão, foi tolhida, na terceira versão e homologada, pela pedagogia das
competências, ausente do debate das versões anteriores. Na versão preliminar e
segunda versão, as Artes Visuais vinculam-se à formação de sujeitos como
protagonistas da experiência estética e artística, para às quais se requer a garantia
de espaços físicos para a efetivação da prática, bem como de profissionais
habilitados em cada linguagem. Na terceira versão e homologada às Artes Visuais
propiciam, por meio do contexto histórico e social, a comunicação, exploração e
transformação dos recursos e materiais por meio da expressão visual. O estudo
conclui assinalando a falta de perspectiva da terceira versão e versão homologada
em torno do fenômeno visual e do olhar como elemento de interlocução entre os
processos de criação e recepção.